Proiezione

Una creatura aliena si aggira in un paesaggio onirico e misterioso che sembra sul punto di crollare al primo alito di vento. Questo film nasce dal desiderio dell’artista di raccontare un sogno ricorrente. In questo sogno, la spiacevole sensazione di precipitare nel vuoto – che tutti abbiamo provato almeno una volta – sfuma nella sensazione di precarietà e incertezza che caratterizza il nostro tempo. Dalla pandemia alla guerra in Ucraina, l’attualità sembra segnare una sorta di conto alla rovescia verso il nulla. Questo scenario straniante e onirico è abitato da strane e fantastiche creature a cui sembra sia affidato il compito di preservare l’essenza stessa della nostra natura animale.

Francesca Fini, artista interdisciplinare, opera nell’ambito del cinema sperimentale, dell’animazione digitale, dei nuovi media, realizzando video, installazioni e performance art. I suoi progetti dal vivo affrontano spesso questioni legate al rapporto tra spazio pubblico e privato, rappresentazione e interazione, ma riflettono anche sulle questioni di genere e femminili e sulle distorsioni nella percezione della bellezza prodotti dal mercato e dai media mainstream. Tra i più importanti eventi artistici a cui ha preso parte negli ultimi anni: WRO Biennale 2011 in Polonia, CINEMED Film Festival a Montpellier, NordArt International Art Exhibition, Berlin Directors Lounge e IKONO TV Film Festival in Germania, Videoformes Festival a Clermont Ferrand, Szczecin European Film Festival (SEFF) in Polonia, FILE Electronic Language International Festival in Brasile, Athens Videoart Festival , IVHAMNew Media Arts Fest e Proyector Festival a Madrid, CYBERFEST e Now&After in Russia, Robot Festival a Bologna, Instants Video numériques et poétiques a Marsiglia, BORDERCROSSING – evento collaterale ufficiale @ MANIFESTA12 , MEM Festival al Guggenheim Museum di Bilbao, BODY + CAMERA a MANA Contemporary Chicago, Un-Becoming alla SomoS Art House Berlin, al Japan Media Arts Festival di Tokyo e al Margaret Guthman Musical Instrument Competition, organizzato dal Georgia Institute of Technology di Atlanta.

Proiezione

Metachaos (2011)

Metachaos, dal greco meta (oltre) e chaos (l’abisso dove si cela lo stato eternamente informe dell’universo), indica una forma primordiale di ameba, priva di una precisa morfologia e caratterizzata da progressive mutazioni e mitosi. In Metachaos, infatti, i corpi rappresentati pur essendo caratterizzati da un aspetto apparentemente antropomorfo, in realtà sono privi di identità e di coscienza. Vivono confinati in un contesto aspaziale ed atemporale, un iperuranio ostile e decadente dove una fortezza in movimento perpetuo, domina il paesaggio a difesa di una dimensione parallela tanto armonica quanto fragile. L’unica finalità dell’orda mutante è quella di assediare e violare il limbo rovesciandone le sorti e penetrando l’intimità con un istinto distruttivo, quasi fosse un virus, infrangendo così l’equilibrio di un continuum filologico simile a quello della specie umana, riportando lo stato delle cose a quello del brodo primordiale.

Durata: 8’ 27”

Ludi Flores (2015)

I Ludi Florales erano giochi celebrati nell’antica Roma, dal 28 aprile al 3 maggio, per onorare la dea Flora con cerimonie sfrenate e orgiastiche a tema pastorale dove le donne erano vestite con colori sgargianti, mentre gli uomini decoravano il proprio capo con ghirlande di fiori. L’opera, la cui lavorazione ha richiesto circa 18 mesi, rispettando i naturali cicli botanici, è stata realizzata interamente in stop motion e in time lapse.

Durata: 4’ 57”

64 Dimensioni: Oggetti Quantistici Sconosciuti (2023, anteprima assoluta)

Oggetti Quantistici Sconosciuti è un excursus di natura visionaria e squisitamente para-scientifica nel tema della meccanica quantistica. Ispirato alle ipotesi di alcuni scienziati secondo i quali oltre alle 4 dimensioni conosciute, compresa l’unità quadridimensionale dello spazio-tempo, nell’universo ne esisterebbero altre 60, pur non essendo mai stata riscontrata alcuna evidenza.   Il cortometraggio si divide dunque in 64 blocchi, dove ognuno di essi descrive, ambientato a sua volta in un contesto domestico e familiare, i numerosi fenomeni che si manifestano nelle 60 dimensioni a noi finora ignote. Gran parte del materiale prodotto, in particolare immagini e suoni, è generato con strumenti di sintesi e A.I. (Intelligenza Artificiale). Il rimanente con metodi puramente analogici. Essendo tuttora un work in progress, per l’occasione verranno presentati in anteprima 10 Oggetti Quantistici Sconosciuti.

Alessandro Bavari, Alessandro Bavari, artista italo-francese diplomato all’Accademia di Belle Arti di Roma, considerato uno dei pionieri dell’arte digitale nonché uno dei grandi rappresentanti del surrealismo contemporaneo, negli anni ha sviluppato un proprio linguaggio artistico digitale. Nel 2011 ha vinto il Golden Nica al Prix Ars Electronica con “Metachaos”, primo premio per la migliore animazione. È grazie a questo video futuristico che Alessandro nel 2017 è stato contattato dalla 20th Century Fox come concept artist per il film “Alien: Covenant”, tramite chiamata diretta di Sir Ridley Scott. Continua a lavorare come art director nel cinema, con registi come Gabriele Lavia e Luca Guadagnino, oltre che come concept artist e art director nel campo dei videogiochi. Colleziona numerosi premi tra cui il “Digital Hall of Fame Award” al 3D Festival Awards di Copenhagen, il premio “Photo-realistic images” all’Adobe “The Power of Design – European Competition” di Londra , il “2001 International Digital Art Award” in Australia, e ancora ai Clio Awards, ai One Show Awards, agli Art Director Club Awards e molti altri. I suoi lavori sono stati pubblicati in centinaia di riviste e libri d’arte, oltre ad essere un continuo oggetto di studio nelle università e negli istituti di tutto il mondo.

Lecture

Quando Mark Dery nel 1993 intervistò Samuel R. Delany sulla marginalità  della letteratura di fantascienza nera (black sci-fi) rispetto ad altri generi, lo scrittore gli rispose che fosse proprio l’azione che parte dalle periferie, creando movimenti dislocati senza un topic centrale, a interessarlo, perché solo così può agire la frammentazione, la diversità e la questione dell’umano (Dery 1993, Black to the Future). A distanza di 30 anni la cultura digitale ha messo in circolazione immaginari periferici che investono corpi e luoghi, generando scene, sonorità e tattilità altre. Gli eventi che hanno luogo ai bordi, generano sconfinamenti e mobilitano sensori di periferiche profonde, siano essi connessi con la carne elettronica e le sue identità in transito, siano essi riferiti alla fruizione visuale e sonica dei luoghi che attraversiamo; in tal senso, si può dire che tali fenomeni (del corpo, dello spazio urbano e del tempo digitale) sono essi stessi il bordo. Si esploreranno alcuni tropi con lo sguardo proprio di chi, abitando i margini del sapere tecnologico ne forza le dinamiche, ne smantella i linguaggi (come accade per l’estetica del glitch) e disorienta la centralità in periferia, attraverso atti festivi che hanno luogo sulle linee d’intersezione, talvolta generando errori che si agglutinano attorno all’incertezza del bordo, esprimendo in tal modo il senso del confine.

Claudia Attimonelli è mediologa, insegna Studi visuali e cultura digitale e Media, cultura visuale e sound studies all’Università degli Studi di Bari Aldo Moro, dove è anche docente di Studi visuali e multimediali al Master in Giornalismo dell’Ordine dei Giornalisti. Coordinatrice scientifica dell’Archivio di Genere di Uniba e delegata al Gender Equality Plan del Dipartimento ForPsiCom. È responsabile del progetto MEM – Mediateca Emeroteca Musicale e coordina i Dialoghi sul Big – Bari International Gender Festival; è visiting professor presso l’Università Uerj (Rio de Janeiro) e chercheuse associée all’Université Paul-Valéry (Montpellier). Le sue ricerche sulla techno e l’Afrofuturismo sono considerate seminali nel panorama italiano e internazionale; si interessa di questioni di genere, stili urbani e culture musicali. Come curatrice collabora con gallerie, istituzioni e teatri, attualmente cura la mostra per Cluster Contemporary 30 anni di Kmpakt records, The visual side of music. Tra le sue pubblicazioni recenti: L’elettronica è donna. Media, corpi e pratiche transfemminste e queer (con C. Tomeo 2022); L’estetica del malessere. Il nero, il teschio, il punk (2020); Un oscuro riflettere. Black Mirror e l’aurora digitale (con V. Susca 2020, tradotto in 4 lingue); Techno. Ritmi afrofuturisti (2008-2018); Pornocultura. Viaggio in fondo alla carne (con V. Susca 2016, tradotto in 4 lingue).

Lecture

“Ritengo che il nostro mondo sia privo di periferie, nel senso che nulla rimane davvero fuori, periferico o del tutto isolato, e come principio normativo non possiamo considerare nulla assolutamente esterno”.

Daniel Innerarity (Bilbao 1959) è professore di filosofia politica, ricercatore “Ikerbasque” presso l’Università dei Paesi Baschi, direttore dell’Instituto de Gobernanza Democrática e professore part time presso l’Istituto Universitario Europeo (School of Transnational Governance). Ex borsista della Fondazione Alexander von Humboldt all’Università di Monaco, visiting professor all’Università di Paris 1-Sorbonne, visiting fellow alla London School of Economics e alla Georgetown University. Tra i suoi libri recenti Ethics of hospitality (2017), The Democracy in Europe (2018), Politics in the Times of Indignation (2019) e A Theory of Complex Democracy (2021).

Lecture

Le notizie sugli effetti del cambiamento climatico, sulle specie estinte e a rischio di estinzione, sulle morti nel Mediterraneo, sulle foreste da abbattere per nuove estrazioni di minerali o le aree agricole da convertire in nuove case e palazzi sono il frutto di una lunga storia, quella della civiltà capitalistica che si è costruita negli ultimi cinque secoli su modi di pensare e agire fondati sulla distinzione tra le forme di vita che possono e devono vivere e quelle che possono o devono morire. Le alternative a questa civiltà sono difficili da costruire, ma sono necessarie. Alcune esperienze sono in atto, come le reti di produzione agricola e scambio dal basso o i tentativi di costruire comunità energetiche per affrontare l’impoverimento ma anche la necessaria svolta socio-ecologica. Altre esperienze si dovranno costruire. L’incontro proposto va in questa direzione, quella di ragionare insieme sulle alternative praticate e praticabili a un modo di organizzare la natura fondato sulla necessaria distruzione di una sua parte.

Gennaro Avallone, professore associato di sociologia dell’ambiente e del territorio presso l’Università degli studi di Salerno. Svolge attività di ricerca, prevalentemente, nella comprensione dei processi migratori, del razzismo, delle trasformazioni del lavoro e dell’ecologia politica.

Seminario

Dottorato in Ingegneria dell’Architettura e dell’Urbanistica, DICEA – Dipartimento di Ingegneria Civile Edile Ambientale, Sapienza Università di Roma

In un periodo storico di profonda crisi e trasformazione, si osserva una proliferazione di un dibattito e una letteratura che ragionano, in modo diversificato, su un auspicabile superamento della rigida dicotomia tra città e natura, per nuove ipotesi di convivenza urbana. Il seminario intende provare a individuare, in questo scenario cangiante, dei possibili laboratori di natura imprevista: luoghi che negli anni hanno dimostrato di essere capaci di sfuggire a rigide determinazioni e sperimentare nuove forme di coesistenza, aree in cui la natura ha la possibilità di riprendere il proprio spazio, anche grazie alla cura e all’intervento di collettivi artistici e gruppi eterogenei di abitanti e esperti con competenze differenti. I laboratori di natura imprevista possono essere luoghi di quiete ma anche di turbolenza – per citare Donna Haraway – spazi di sovversione minuti ma potenti. Luoghi di condivisione, mescolanza, scambio, sperimentazione, apprendimento comune. A partire da questa premessa, il seminario vuole indagare le caratteristiche di questi laboratori, a partire da alcuni casi nella città di Roma. Attraverso un dialogo con alcuni esperti e attivisti, il dibattito sarà l’occasione per capire le pratiche in atto, la relazione che si costruisce tra gli abitanti, anche in rapporto alle competenze acquisite nel tempo, fino a individuare limiti e progressi di queste isole di sperimentazione.

Interventi di:

Giuliano Fanelli, botanico

Stefano Becchetti, Presidente Comitato Pratone di Torre Spaccata, Roma

Lisa Carignani, dottoranda Dipartimento di Architettura, Università degli Studi Roma Tre

Francesca Apolloni e Marta Del Giudice, attiviste Associazione Insieme per l’Aniene Onlus

Luca Brignone e Stefano Simoncini, Ricercatori DICEA, Sapienza Università di Roma

Introduce e modera: Emilia Giorgi, Dottoranda in Urbanistica presso il DICEA, Sapienza Università di Roma

Segue:

Incontro

Giulia Caneva & Flavia Bartoli
Visioni della natura in città: il punto di vista della botanica e dell’ecologia

Introduce: Emilia Giorgi

Storicamente la natura ha avuto un ruolo assai limitato nelle realtà urbane, dal mondo antico fino alla città contemporanea. Lo sviluppo urbanistico delle città contemporanee, che occupa estensioni sempre crescenti e uno spazio di transizione non così netto e definito come nel passato, non permette però più questa dicotomia e la pianificazione deve lasciare spazio ad aree naturali e corridoi ecologici per un equilibrio complessivo dei sistemi.  Alberi e foreste urbane, prati, giardini, parchi ed orti urbani, fino a forme ancora più integrate nell’architettura, come tetti e pareti verdi, rappresentano realtà sempre più sentite nella progettazione delle città del futuro. Sempre più spesso si sottolinea, sia pure con un’ottica antropocentrica, il valore che le piante assumono nel fornire diversi e variegati “Servizi Ecosistemici” nelle città. È importante che questo “mondo verde” venga percepito, pianificato o lasciato alle dinamiche naturali, con attenzione allo specifico ruolo ecologico che le diverse entità assumono. Preservare la naturalità, che non si limita a lasciare spazi verdi non occupati da infrastrutture, ma che significa favorire lo sviluppo di specie e comunità in equilibrio con l’ambiente, rappresenta un obiettivo da perseguire.

Giulia Caneva, Professoressa Ordinaria di Botanica presso il Dipartimento di Scienze dell’Università di Roma Tre.

Flavia Bartoli è Ricercatrice presso il Centro Nazionale delle Ricerche (CNR), Istituto di scienze per il patrimonio culturale (ISPC).

Lecture

Da Fukushima in poi il potere si limita ad osservare le catastrofi, senza in realtà intervenire, confermando anche troppo quanto avevano intuito le sociologie del rischio degli anni Ottanta e Novanta. Ma se il potere non agisce, e i sociologi del rischio possono chiudere bottega, anche l’ambientalismo radicale americano sembra paralizzato nella stessa impotenza. L’apocalittica del postumano, la Dark Ecology alla Timothy Morton sembra precludere l’impegno politico e finisce per celebrare malinconicamente il funerale del pianeta o perlomeno la scomparsa dell’umanità. Prendendo le mosse dai suggerimenti di Bruno Latour si cercherà nella relazione che qui si propone di rovesciare e di demistificare l’apocalittismo contemporaneo, a favore di un nuovo e radicale engagement, pensando a quel che è ancora possibile fare.

Agostino Petrillo è Professore Associato di Sociologia dell’ambiente e del territorio al Politecnico di Milano. Ha diretto master internazionali e corsi di perfezionamento. È direttore della collana di studi urbani “Eliopoli” per le Edizioni Tecnico Scientifiche di Pisa. È membro di numerosi comitati scientifici e di redazione delle riviste del settore. È presidente del comitato scientifico della AFET-Aquilone, Onlus attiva in Liguria sul fronte della emarginazione. Si interessa di migrazioni, città, povertà e periferie. Tra i suoi ultimi lavori, La periferia nuova. Disuguaglianze, spazio, città, FrancoAngeli, Milano 2018.

Lecture

Il paradigma meccanicistico combinato con un’economia dell’avidità ha dominato il nostro pensiero negli ultimi secoli. Mette l’Occidente colonizzatore e dominante al centro del mondo, presuppone che la terra sia materia inerte morta, che gli esseri umani siano superiori alle altre specie e che la civiltà industriale sia superiore alle altre culture che devono essere ricondotte ad essa o spinte ai margini se non accompagnate all’estinzione. Questo paradigma ha portato alla concentrazione della ricchezza e del potere, portando all’estinzione la biodiversità e la diversità culturale, spingendo le persone nelle trappole della povertà, dell’impotenza, della disperazione. Abbiamo bisogno di un nuovo rapporto con la Terra, con tutti gli esseri viventi e con la comunità umana. Dalla periferia, dalla natura e dalle diverse culture, stanno emergendo paradigmi non centrati, con ogni organismo e comunità come centro di rigenerazione. Il decentramento consente il passaggio dalle monoculture alla diversità, dal dominio all’auto-organizzazione, dalla separazione all’unità. Chiamo questa emergenza non centrata “Democrazia della Terra”.

Vandana Shiva (Dehradun, 1952)  ha studiato Fisica e ha conseguito il dottorato di ricerca sul tema “Hidden Variables and Non-locality in Quantum Theory” presso la University of Western Ontario in Canada. Successivamente è passata alla ricerca interdisciplinare in scienza, tecnologia e politica ambientale che ha svolto presso l’Indian Institute of Science e l’Indian Institute of Management di Bangalore. Nel 1982 ha fondato un istituto indipendente, la Research Foundation for Science, Technology and Ecology a Dehra Dun, dedicato alla ricerca indipendente e di alta qualità per affrontare le questioni ecologiche e sociali più significative dei nostri tempi, in stretta collaborazione con le comunità locali e i movimenti sociali. Nel 1991 ha fondato Navdanya, un movimento nazionale per proteggere la diversità e l’integrità delle risorse viventi, in particolare i semi autoctoni, la promozione dell’agricoltura biologica e del commercio equo. Nel 2004 ha fondato Bija Vidyapeeth, un college internazionale per la vita sostenibile nella Doon Valley in collaborazione con lo Schumacher College, U.K. Dr. Shiva combina l’acuta indagine intellettuale con un coraggioso attivismo. Nel 2003 “Time Magazine” ha identificato la dottoressa Shiva come un “eroe” ambientale e “Asia Week” l’ha definita una delle cinque più potenti comunicatrici dell’Asia e una delle sette donne più potenti del mondo. La dottoressa Shiva ha ricevuto lauree honoris causa dall’Università di Parigi, dall’Università dell’Ontario occidentale, dall’Università di Oslo e dal Connecticut College, dall’Università di Guelph. Tra i suoi numerosi premi ci sono il Premio Nobel alternativo (Right Livelihood Award, 1993), Order of the Golden Ark , Global 500 Award delle Nazioni Unite e Earth Day International Award, il Premio Lennon ONO per la pace assegnato da Yoko Ono nel 2009, Sydney Peace Prize nel 2010, Doshi Bridgebuilder Award, Calgary Peace Prize e Thomas Merton Award nel 2011, Fukuoka Award e The Prism of Reason Award nel 2012, Premio Grifone d’Argento 2016 e The MIDORI Prize for Biodiversity 2016, Veerangana Award 2018, The Sanctuary Wildlife Award 2018 e International Environment Summit & Award 2018.

Incontro a cura di Gennaro Avallone

Il continente africano è stato oggetto di processi di conquista coloniale e imperialista i cui effetti sono ancora presenti, anche se le colonie sono formalmente finite tra gli anni ’50 e ’70 del secolo scorso. L’eredità coloniale è attiva, anche a causa delle politiche condotte nel periodo postcoloniale, caratterizzate dalle ingerenze delle vecchie e nuove potenze economiche e militari. A pagare questa condizione di subordinazione sono le popolazioni del continente africano che vedono un futuro negativo di fronte a sé. Una parte di queste popolazioni, soprattutto tra i più giovani, risponde con l’emigrazione: verso altri paesi africani, ma anche verso l’Europa. Per capire queste migrazioni bisogna chiedersi, allora, cosa succede nei paesi di emigrazione e quale ruolo giocano le potenze del passato coloniale e quelle attuali. E chiedersi, anche, quale ruolo hanno le politiche europee di contrasto e selezione dei processi migratori in corso.

Gennaro Avallone, professore associato di sociologia dell’ambiente e del territorio presso l’Università degli studi di Salerno. Svolge attività di ricerca, prevalentemente, nella comprensione dei processi migratori, del razzismo, delle trasformazioni del lavoro e dell’ecologia politica.

Soumaila Diawara è un attivista politico maliano rifugiato in Italia e autore di poesie. Nato a Bamako (Mali), dove ha conseguito la laurea in Scienze Giuridiche con una specializzazione in Diritto privato internazionale, è stato costretto ad abbandonare il Mali nel 2012 in quanto accusato ingiustamente di un’aggressione ai danni del Presidente dell’Assemblea Legislativa. Arrivato in Libia, nel 2014 ha attraversato il Mediterraneo su un gommone, giungendo in Italia e ottenendo la protezione internazionale. Vive a Roma.

Video (Italia 2023, durata: 16 min)

Circostanza Pasolini – 19 febbraio Yekatit 12.
Non si piange su una città coloniale. P.P.P. scene da un film mai realizzato sulle memorie africane, passate e future, a Roma.

Un progetto di Stalker per Museo delle periferie

Introducono: Giulia Fiocca, Morteza Khaleghi e Lorenzo Romito

Il 19 febbraio 2023 per ricordare e far conoscere il massacro di Addis Abeba, l’orribile crimine coloniale che lega profondamente e inconsciamente gli italiani, che lo hanno perpetrato, e gli etiopi, che lo hanno subito. La Circostanza prende le mosse dalla prossimità tra il monumento ai caduti di Dogali a piazza dei Cinquecento e il bar Gambrinus, dove Pier Paolo Pasolini incontrò Pelosi ed ebbe inizio l’oscura notte dell’omicidio del poeta. Prossimità che diventa punto di inizio di una tessitura tra l’Africa, il colonialismo italiano e l’abitare migrante a Roma. Pasolini aveva collegato in una prospettiva d’insieme il mondo delle borgate e l’Africa post coloniale, estendendo il suo sguardo ad oggi lo abbiamo rivolto alla diaspora abitativa delle comunità del Corno d’Africa a Roma e alle lotte a cui sono ancora costretti per aver riconosciuto il diritto all’abitare, alla cittadinanza, al lavoro.

Regia e montaggio: Morteza Khaleghi, filmato da Francesco Conte, Morteza Khaleghi e Velania A. Mesay

Lecture

Da alcuni anni nuovi corpi e nuove pratiche abitano lo spazio pubblico ma anche lo spazio istituzionale e protetto dei musei, corpi che dallo spazio periferico provano a prendere un tempo di visibilità. Dai monumenti divelti in molte piazze alle opere macchiate di colore in musei di numerose città, in una geografia ampia negli ultimi decenni capita d’inciampare in azioni che prendono spazio e voce su temi rimossi della politica e della cultura. Sono corpi che s’innalzano sui basamenti, corpi distesi o inginocchiati a fianco delle opere, corpi comunque estranei e non previsti nello spazio istituzionale ma che attivano un processo fuori dalla continuità, un atto che Deleuze e Guattari descriverebbero come “una biforcazione, una deviazione rispetto alle leggi, una condizione instabile che apre un nuovo campo di possibilità”.

Lisa Parola, storica dell’arte e curatrice, ha curato progetti di arte pubblica, mostre, campagne fotografiche, workshop e conferenze promuovendo la relazione tra arte, territorio e cittadinanza. È socia fondatrice di a.titolo: un’organizzazione non profit attiva dal 1997 con lo scopo di indagare e sperimentare le potenzialità dell’arte contemporanea nell’ambito della sfera pubblica e sociale. È stata tra i consulenti culturali per la candidatura di Matera Capitale della Cultura 2019. Negli anni ha inoltre collaborato con istituzioni quali la Fondazione Sardi per l’Arte, la Fondazione Merz e l’Università di Torino. Nel 2022 ha pubblicato Giù i monumenti? (Einaudi).

Lecture

Il periodo storico 1500-2000 è stato il periodo dell’occidentalizzazione del mondo (Serge Latouche, Francia), del Secondo Nomos della Terra (Carl Schmitt, Germania) e della Matrice Coloniale del Potere (Anibal Quijano, Perù). Quel periodo si sta chiudendo. Il vecchio mondo sta morendo, il nuovo ha bisogno di tempo per apparire. E in quel chiaroscuro emergono mostri (Antonio Gramsci, Italia). Prima del 1500 l’ordine mondiale era policentrico e non capitalista. Dal 1500 al 2000 l’occidentalizzazione ha costruito un ordine mondiale monocentrico (o unipolare) e capitalista. L’unipolarismo politico, economico e militare era sostenuto dall’universalità epistemica teologica e laica. Dallo sgretolarsi dell’unipolarismo e dell’universalità stanno emergendo tre traiettorie, diverse ed eterogenee tra loro, con punti di convergenza e divergenza: la de-occidentalizzazione, la decolonialità e la demodernità. Queste istanze nelle rispettive sfere di influenza stanno dando vita oggi a un ordine mondiale multipolare e a una gnoseologia pluriversale.

Walter D. Mignolo (Corral de Bustos, 1941) è William H. Wannamaker Distinguished Professor e direttore del Center for Global Studies and the Humanities della Duke University. È stato ricercatore associato presso Universidad Andina Simón Bolívar, Quito, 2002-2020 e Honorary Research Associate per CISA (Center for Indian Studies in South Africa), Wits University at Johannesburg (2014-2020). È Senior Advisor dell’Istituto di Ricerca DOC (Dialogo delle Civiltà), con sede a Berlino e ha ricevuto una Laurea Honoris Causa dall’Università Nazionale di Buenos Aires, Argentina e una Laurea Honoris Causa dall’Università di Londra, Goldsmith.  Tra i suoi libri legati all’argomento ricordiamo: The Darker Side of the Renaissance. Alfabetizzazione, territorialità e colonizzazione (1995, traduzione cinese e spagnola 2015); Delinking: The Rhetoric of Modernity, the Logic of Coloniality and the Grammar of Decoloniality, 2007), tradotto in tedesco, francese, svedese, rumeno e spagnolo. Local Histories/Global Designs: Coloniality, Subaltern Knowledges and Border Thinking (2000, tradotto in spagnolo, portoghese e coreano); e The Idea of ​​Latin America, 2006, tradotto in spagnolo, coreano e italiano. Di prossima pubblicazione: On Decoloniality: Concepts, Analysis, Praxis, scritto in collaborazione con Catherine Walsh, 2018; e La politica delle indagini decoloniali, 2021

Lecture

Il paradigma indigeno è un insieme di pratiche, visioni, prospettive, frutto dell’elaborazione dell’esperienza indigena del mondo in America Latina (e in altri continenti, ma in America latina sta prendendo un rilevo particolare). Si tratta di un tipo di approccio alla situazione globale  attuale, alle sue crisi e ai suoi disastri che si basa sull’abitare il mondo in una chiave indigena: una visione che tiene conto delle componenti diverse che lo costituiscono, animali, piante, risorse, geografie, spiriti e presenze come se fossero persone. Questo paradigma sta emergendo con un peso politico e allo stesso tempo epistemologico. La presenza indigena in America Latina interroga come mai prima le strutture della società e del potere e mette in crisi il modo con cui gli stati si sono costituiti in nazioni. In più è una sfida alla storia del continente che propone la “conquista” come una parentesi breve da chiudere nell’ottica di un rinascimento che recuperi i millenni di civiltà indigene dell’America Latina. Quello che è interessante è che questo paradigma, lungi dall’essere “recupero delle tradizioni” si propone come un futuro credibile per tutti gli abitanti del continente e viene oggi portato avanti nelle produzioni artistiche, letterarie, nel pensiero politico e nelle pratiche dei popoli indigeni (occupazioni di terre, richieste di restituzioni e di compensazioni). Allo stesso tempo è un motivo ispiratore per il progressismo del continente che vi vede una soluzione alla questione ambientale e a quella di una società multinazionale.

Lecture

Nel 1940, il regime fascista istituì l’“Ente di Colonizzazione del Latifondo siciliano” sul modello dell'”Ente di colonizzazione della Libia” e dell’architettura coloniale in Eritrea ed Etiopia. Questi territori erano considerati dal regime “vuoti”, “sottosviluppati” e “arretrati” e quindi bisognosi di essere “bonificati”, “modernizzati” e “ripopolati”. A questo scopo l’Ente di Colonizzazione inaugurò in Sicilia otto nuovi borghi rurali, e altrettanti rimasero incompiuti. Oggi la maggior parte di questi villaggi è caduta in rovina. Tuttavia, nonostante la caduta del fascismo dopo la Seconda guerra mondiale, la defascistizzazione dell’Italia rimane, purtroppo, un processo incompiuto. Questo è uno dei motivi per cui in Italia sono molte le architetture e i monumenti che celebrano il regime fascista. Inoltre, avendo perso le sue colonie durante la Seconda guerra mondiale, l’Italia non ha mai intrapreso un vero e proprio processo di decolonizzazione. Con il riemergere delle ideologie fasciste in Europa, diventa urgente chiedersi: che tipo di eredità è l’eredità fascista-coloniale/modernista? E chi ha il diritto di poterla riutilizzare? Questo patrimonio dovrebbe essere demolito o potrebbe essere riorientato verso altri fini? L’installazione artistica “Ente di Decolonizzazione – Borgo Rizza”, che è in mostra da maggio 2023 alla Biennale Architettura di Venezia e da giugno 2023 al Museo delle Civiltà di Roma, profana l’Ente di Colonizzazione del Latifondo Siciliano, scomponendo e ricomponendo la facciata in sedute modulari. Negli ultimi due anni, l´Ente di Decolonizzazione è stato attivato a Napoli, Berlino e Bruxelles, e riutilizzato come piattaforma discorsiva in cui il pubblico è stato invitato a riconsiderare criticamente gli effetti sociali, politici ed economici dell’eredità fascista, coloniale e modernista, e allo stesso tempo immaginarne collettivamente nuovi usi comuni.  Nei processi di colonizzazione e decolonizzazione, l’architettura gioca un ruolo cruciale nell’organizzazione delle relazioni spaziali e nell’espressione delle ideologie. E anche quando è abbandonata o in rovina, è ancora utilizzata come prova di rivendicazioni politiche e culturali. Non è possibile comprendere i flussi migratori o il fascismo contemporaneo, senza una conoscenza approfondita dell’eredità fascista-coloniale/modernista europea.

Alessandro Petti è professore di Architettura e Giustizia Sociale presso il Royal Institute of Art di Stoccolma dove dirige il programma di studi e ricerca DAAS (Decolonizing Architecture Advanced Studies) e co-direttore insieme a Sandi Hilal di DAAR (Decolonizing Architecture Art Residency), un ibrido tra uno studio di ricerca e una residenza artistica all´intersezione tra architettura, arte, pedagogia e politica. Una serie di libri hanno accompagnato la ricerca collettiva approfondendo aspetti teorici e pratici. Tra le ultime pubblicazioni: Refugee Heritage (Art and Theory, Stoccolma 2021), il libro-dossier che documenta la nomina UNESCO a patrimonio dell’umanità del campo profughi di Dheieheh in Palestina, il libro-catalogo Permanent Temporiness (Art and Theory, Stoccolma 2019) che racconta 15 anni di ricerca e sperimentazione dentro e contro il regime di permanente temporaneità´ e Architecture after Revolution (Sternberg Berlin 2013), un invito a ripensare le odierne lotte per la giustizia e l’uguaglianza non solo dalla prospettiva storica della rivoluzione ma anche da quella di una continua lotta per la decolonizzazione. In italiano ha pubblicato Arcipelaghi e Enclave (Bruno Mondadori 2007), un tentativo di leggere la dimensione territoriale e politica dell’occupazione israeliana come laboratorio, acceleratore e condizione limite della globalizzazione neoliberale e delle sue ricadute spaziali. Ha ricevuto diversi premi: Prince Pierre Foundation Prize, Keith Haring Fellowship in Art and Activism at Bard College, Loeb Fellowship Harvard University, Price Claus Prize for Architecture, selezionato per Visible Award, Curry Stone Design Prize, Vera List Center Prize della New School per Art and Politics, l’Anni and Heinrich Sussmann Artist Award, il Premio Chrnikov.  La ricerca artistica di DAAR è stata in mostra alla Biennale di Venezia (2003, 2008, 2009, 2013, 2015, 2021, 2023), La loge Bruxelles (2023), Museo Madre (2022), Berlin Biennale (2022), Chicago Biennial (2019), Rabat Biennial (2019), Seoul Biennial (2019), Marrakesh Biennial (2016), Qalandia International (2016), Asian Art Biennial (2015),  São Paulo Biennial (2014), Home Works Beirut (2010), Istanbul Biennial (2009). Due recenti retrospettive dal lavoro di DAAR sono state inaugurate al Van Abbemuseum in Eindhoven e alla New York University Abu Dhabi Art Gallery. 

Lecture

Il pensiero filosofico ha organizzato i propri centri e le proprie periferie, i propri linguaggi maggiori e minori, il proprio canone e le proprie eterodossie. Siamo in un momento in cui il periferico sta diventando un prodotto e il dimenticato una merce di tendenza. Questo ci fa dimenticare che il gesto radicale del pensiero è quello di decentrare il centro per svuotarlo di potere. Quali sono le strategie per un’azione del genere oggi?

Marina Garcés (Barcellona, ​​1973) è filosofa e dopo 15 anni come professore di filosofia all’Università di Saragozza, è attualmente professore all’Università Aperta della Catalogna (UOC) dove dirige il Master in filosofia per le sfide contemporanee e il gruppo di ricerca MUSSOL. È autrice dei libri En las prisiones de lo posible (Bellaterra, 2002), Un mundo común (Bellaterra, 2013), Filosofía inacabada (Galaxia Gutenberg, 2015), Fuera de clase, Textos de filosofía de guerrilla (Arcadia, 2016 ), L’impegno (CCCB, 2013) e, recentemente, Humanities in transition (CCCB, 2017) e Nueva Ilustración radical (Anagrama, 2017), saggio premiato con il premio Ciutat de Barcelona nella categoria Essay, Social Sciences and Humanities in 2017 e tradotto in diverse lingue. I suoi ultimi libri sono Escuela de aprendices (Galaxia Gutenberg 2020), che sviluppa uno sguardo sull’educazione, l’apprendimento e l’immaginazione e Malas compañías (Galaxia Gutenberg, 2022). Il pensiero è la dichiarazione di un impegno per la vita come problema comune. Per questo Marina Garcés ha fatto della sua filosofia una pratica di sperimentazione collettiva, attraverso diversi progetti, come Espai en Blanc e collaborazioni con istituzioni e scuole locali e internazionali.

Lecture

Il Museo delle Civiltà di Roma nell’autunno 2022 ha avviato un processo di progressiva e radicale revisione che sta mettendo in discussione, provando a riscriverle, la sua storia, la sua ideologia istituzionale e le sue metodologie di ricerca e pedagogiche. Il quadriennio 2022-2026 sarà volto a ripensare e riattivare il museo come spazio-tempo discorsivo, critico e autocritico: basandosi su progetti di ricerca di lungo periodo, il programma riguarda principalmente il ripensamento e riallestimento delle collezioni e degli archivi museali e la ridefinizione dei criteri di studio, catalogazione, esposizione e condivisione del sapere che il museo esprime. Il curatore per le arti e culture contemporanee Matteo Lucchetti presenterà alcuni dei progetti avviati, come le “research fellowship” con Maria Thereza Alves, Sammy Baloji, Gala Porras Kim e Bruna Esposito, tra gli altri, gli ingressi metodologici dei due palazzi che compongono il museo, e le revisioni contemporanee nei riallestimenti delle collezioni preistoriche, paleontologiche e lito-mineralogiche. Inoltre, verrà presentato il progetto “Il Museo delle opacità” che riguarda il dialogo tra le collezioni dell’ex Museo coloniale e le pratiche artistiche contemporanee.

Matteo Lucchetti è curatore, storico dell’arte e scrittore. È curatore per le arti e culture contemporanee presso il Museo delle civiltà di Roma. Ha co-ideato il progetto Orchestre delle Trasformazione, agenzia curatoriale che promuove nuovi immaginari artistici per l’agenda 2030, per il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Dal 2011 cura, con Judith Wielander, Visible, progetto di ricerca e sostegno alle pratiche artistiche socialmente impegnate in un contesto globale, di Fondazione Pistoletto e Fondazione Zegna, che ha visto la creazione di una collezione immateriale di oltre 200 progetti artistici. È inoltre guest curator per il progetto Pompeii Commitment. Archeological Matters. Ha lavorato come curatore delle mostre e del public program al BAK di Utrecht nel 2017–2018, ed è stato curatore della 16ma Quadriennale di Roma. Tra i progetti curatoriali più recenti: DAAR: Ente di Decolonizzazione – Borgo Rizza, per La Loge di Bruxelles, il Madre di Napoli e la Biennale di Berlino, 2022-2023; Raffaella Crispino: We Want Mirrors.A Journey Into the Matrix of Coloniality, MMSU, Rijeka, 2022; Marzia Migliora. Lo spettro di Malthus, MA*GA, Gallarate; Sammy Baloji. Other Tales, Lunds Konsthall e Kunsthal Aarhus, 2020; Marinella Senatore: Piazza Universale. Social Stages, Queens Museum, New York, 2017; De Rerum Rurale, 16a Quadriennale di Roma, 2016; Don’t Embarrass the Bureau, ParaSite, Hong Kong, 2013; Lunds Konsthall, 2014; Enacting Populism, Kadist Art Foundation, Parigi, 2012.

Lecture in diretta streaming

Nicholas Mirzoeff delinea la storia dei modi di vedere dei bianchi come tecnologia coloniale e la sua infrastruttura di supporto, in particolare la statua monumentale. Per immaginare poi come sia possibile organizzare uno sciopero decoloniale contro di essa.

Nicholas Mirzoeff è scrittore e attivista visivo, che lavora all’intersezione tra politica, razza e cultura globale/visiva. Autore di White Sight: Visual Politics and Practice of Whiteness (MIT Press, 2023). Professore di Media, Cultura e Comunicazione alla NYU. Nel 2020-21 è stato ACLS/Mellon Scholar and Society fellow in residence presso la Magnum Foundation, New York. Il suo nuovo libro White Sight: Visual Politics and Practices of Whiteness uscirà da MIT Press all’inizio del 2023. Tra le sue numerose pubblicazioni precedenti, The Right to Look: A Counterhistory of Visuality (2011) ha vinto l’Anne Friedberg Award for Innovative Scholarship dalla Society of Cinema and Media Studies nel 2013. How To See The World è stato pubblicato da Pelican nel Regno Unito (2015) e da Basic Books negli Stati Uniti (2016). È stato tradotto in undici lingue ed è stato uno dei dieci migliori libri dell’anno per New Scientist per il 2015. The Appearance of Black Lives Matter è stato pubblicato nel 2017 come e-book gratuito e nel 2018 come libro stampato in edizione limitata con un saggio grafico di Carl Pope e una poesia di Karen Pope, entrambi da NAME Publications, Miami. Dagli eventi del 2017 a Charlottesville, è stato attivo nel movimento per abbattere le statue che commemorano il colonialismo dei coloni e/o la supremazia bianca e ha convocato il programma collaborativo del 2017 All The Monuments Must Fall, completamente rivisto dopo gli eventi del 2020. Ha curato “Decolonizing Appearance”, una mostra presso il Center for Art Migration Politics (settembre 2018-marzo 2019) e ha collaborato a un progetto di arte pubblica globale nel 2020 con l’artista Carl Pope, la poetessa Karen Pope e la gallerista Lisa Martin, dal titolo The Bad Air Smelled of Roses. Blogger e scrittore, il suo lavoro è apparso su Hyperallergic, The Nation, New York Times, Frieze, The Guardian, Time e The New Republic.

Proiezione

Tools for Catching Clouds è un video prodotto per il Padiglione Italia, Comunità Resilienti, Biennale Architettura di Venezia 2021, a cura di Alessandro Melis, in collaborazione con il Museo delle Periferie. Il video è stato presentato in anteprima a Roma nell’ambito della prima edizione di IPER Festival delle Periferie. Fa parte di dieci serie di opere d’arte intitolate Preferring Sinking to Surrender, realizzate appositamente per la Biennale di Architettura di Venezia 2021. Le opere d’arte includevano performance pubbliche, installazioni, elementi scultorei, dipinti e disegni, creando un commento sulla democrazia democratica delle minoranze, partecipazione, resilienza e resistenza, esercizio del potere, e chi e cosa è periferico. Il video utilizza una metafora ipoiconica per rappresentare storie personali su una bandiera – realizzata con un lenzuolo di lino bianco strappato – che simboleggia il divorzio dell’individuo dallo stato. La bandiera bianca è come una tela che incarna i resti di relazioni sociali fratturate. Può essere interpretato, a prima vista. come simbolo di resa, ma simboleggia, invece, uno spazio bianco su cui possono essere scritte storie personali di resistenza, resilienza e sfida.

2021, 9:35 min

Lanfranco Aceti è artista, curatore e accademico che produce installazioni, progetti nello spazio pubblico, performance e mostre su temi come la giustizia sociale, la postdemocrazia, le migrazioni, la crisi climatica, le forme di resistenza e le ipotesi sociali matriarcali. Attualmente è direttore dell’Institute of Contemporary Arts di Singapore (ICAS), direttore e fondatore del Museum of Contemporary Cuts (MoCC) e redattore capo di Leoalmanac, pubblicato dalla MIT Press.

Lecture

“[…] hunc inter fluvio Tiberinus amoeno verticibus rapidis et multa flavus harena in mare prorumpit […]” Virgilio

Cosa resta della mitologia del biondo Tevere, strettamente legata com’è alla nascita di Roma e agli oltre 2000 anni di storia, man mano che le sue acque diminuiscono stagione dopo stagione?

I cambi epocali delle acque nel ventunesimo secolo parlano di uno sconvolgimento rivoluzionario che non si limita al sociale ma investe anche identità culturali, mitologiche e poetiche. Poiché le trasformazioni avvengono a una velocità maggiore, è necessario ripensare città, corsi d’acqua, fontane e fondazioni agricole. Non si tratta solo di sistemi ma anche di substrati culturali legati al cibo e al modus vivendi che hanno plasmato le credenze antropologiche ed esistenziali delle popolazioni preromane, ognuna con i suoi significati e le sue interpretazioni di cosa significhi essere “italici”. Le acque vengono delocalizzate e ridistribuite, con un sistematico sovrasfruttamento delle falde acquifere, mentre i letti di torrenti, ruscelli e fiumi vengono prosciugati. Mentre i corsi d’acqua capitolano sotto la pressione della scarsità, non c’è più un posto dove nascondere al sicuro Romolo e Remo lungo le rive del fiume Tevere. Siamo obbligati a reinventare il nostro futuro senz’acqua. Acqua che, anche se abbondante, è sempre più inquinata da PFA, piombo, cloro e nanoplastiche. Nelle società post-capitalistiche di sfruttamento delle risorse comuni, la definizione di acqua è concepita esclusivamente in termini economici liberali e come privatizzazione dell’esistenza pubblica attraverso la creazione e la gestione della scarsità. In Italia – e a Roma in particolare – queste forme occidentali di liberalismo si traducono e si sostanziano in conniventi strutture corporative che fondono armoniosamente e coesivamente mafie e politica. Il discorso esaminerà la cruda realtà dello stato italiano che ha abdicato al suo ruolo ed è diventato un esecutore dello sfruttamento aziendale dell’acqua e della futura necropolitica della sete.

Lanfranco Aceti è artista, curatore e accademico che produce installazioni, progetti nello spazio pubblico, performance e mostre su temi come la giustizia sociale, la postdemocrazia, le migrazioni, la crisi climatica, le forme di resistenza e le ipotesi sociali matriarcali. Attualmente è direttore dell’Institute of Contemporary Arts di Singapore (ICAS), direttore e fondatore del Museum of Contemporary Cuts (MoCC) e redattore capo di Leoalmanac, pubblicato dalla MIT Press.

Lecture

Tra le molteplici e dirompenti espansioni del vivente, l’artista e studioso si sofferma su quella avvenuta circa 420 milioni di anni fa ad opera dei pesci sarcopterigi, precursori di tutti i tetrapodi, e su quella molto più recente di circa due milioni di anni or sono, ordita dai protoantropi del corno d’Africa e nota come prima Out of Africa. Da qui prende avvio la storia della cosiddetta Zona abitabile, ovvero la cronologia dell’espansione del supporto vitale per umani. Ma ogni dilazione geometrica del paniere che ci tiene in vita, il supporto vitale, è un accrescimento imperfetto giacché richiede e ha sempre richiesto una complementare trasformazione biopolitica del corpo, che ci rende di fatto degli estremofili: biologie che si prodigano per abitare circostanze ambientali proibitive. Il passaggio dal latifondo alla città della prima Rivoluzione Industriale è, ad esempio, un’espansione della zona abitabile umana e assieme un riadattamento biologico alle nuove condizioni per la sopravvivenza come precedentemente lo è stato l’invenzione del Neanderthal. Oggi la zona abitabile è intesa, dagli astrobiologi, come quella sfera dinamica che, nel nostro Sistema Solare, si estende dall’area temperata di Venere a Marte. Il centro di questa estensione è il pianeta Terra, ma in ridefinizione di se stesso come valore medio, attraverso i cataclismi ambientali connessi alle esigenze di trasformazione del modo di produzione globale. Cobol Pongide chiama questa nuova espansione del vivente Terraformazione, concetto che può essere applicato anche alle precedenti dilatazioni che hanno avuto come protagonista l’essere umano.

Cobol Pongide è scienziato, musicista e ufociclista. Lavora nel campo dello spazio extraatmosferico, esplorato e mappato come nuovo terreno di conflitto. Ha pubblicato: Marte oltre Marte (DeriveApprodi, 2019); UfoCiclismo (D Editore, 2019); Ufo e altre cose disfunzionali (Macro, 2021); CosmoAntiCapitalismo (Novalogos, 2022); Dalla terra al cosmo (Sossella, 2022); Manuale del cosmonauta  (in uscita).

Incontro

Dialogano con Pablo Echaurren

Bruno Di Marino e Antonello Matarazzo

Cosa sarebbe successo se l’uomo di Neanderthal fosse prevalso sull’Homo Sapiens? Che relazione c’è tra l’arte e l’evoluzionismo? E perché mai l’evoluzione si comporta come un bricoleur? E infine: cosa c’entra in tutto questo Marcel Duchamp?

L’incontro introduce la proiezione del film 

“Pablo di Neanderthal. Arte, evoluzione e bricolage”, un film di Antonello Matarazzo un film di

con Pablo Echaurren, scritto da Bruno Di Marino, Pablo Echaurren, Antonello Matarazzo

… (63’, Italia, 2022).

“Questo non è un documentario e non è il portrait dell’artista Pablo Echaurren, ma una riflessione in forma di caleidoscopio sul nostro passato, sul nostro presente e sul nostro futuro”.

Pablo Echaurren, nato a Roma nel 1951, inizia a dipingere sotto la guida di Gianfranco Baruchello, per poi venire ingaggiato dal critico-gallerista Arturo Schwarz che fa conoscere il suo lavoro in Italia e all’estero. L’opera di Echaurren, risultato di un’attività molteplice che si muove tra disegno, scrittura, illustrazione e meta-fumetto, indaga su un possibile rapporto tra avanguardia e arte popolare, in un cortocircuito tra “alto e “basso”, tra cultura impegnata e di svago. Echaurren è autore di circa una ventina di libri, da solo o insieme a Claudia Salaris, sua compagna di vita. Numerose le sue personali in Italia e all’estero.

Bruno Di Marino, storico dell’immagine in movimento, curatore, saggista, dal 1989 si occupa in particolare di sperimentazione audiovisiva. È titolare della cattedra di Teoria e metodo dei Mass Media presso l’accademia di Belle Arti di Roma. Tra i volumi da lui scritti o curati ricordiamo: Sguardo inconscio azione. Cinema underground e d’artista a Roma (1965-1975), Lithos, Roma 1999; Studio Azzurro. Tracce, sguardi e altri pensieri (Feltrinelli, 2007); Pose in movimento. Fotografia e cinema (Bollati Boringhieri, 2009); Segni sogni suoni. 35 anni di videomusica da David Bowie a Lady Gaga (Meltemi, 2018); Nel centro del quadro. Per una teoria dell’arte immersiva dal mito della caverna alla VR (Aesthetica, 2021).

Antonello Matarazzo, pittore, regista e video artista, esponente del Medialismo. I suoi video sono stati accolti da numerosi festival cinematografici italiani e internazionali, alcuni dei quali come la Mostra del Nuovo Cinema di Pesaro, Festival de Cine de Mar del Plata e Festival Signes de Nuit hanno proposto sue retrospettive. Nel 2019 l’Istituto Italiano di Cultura di Tirana ha programmato un suo focus presso la Galeria Kombëtare e Kosovës di Pristina. Il nucleo della sua ricerca si fonda sull’equivocità tra immagine fissa e movimento, il trait d’union tra pittura e video-installazioni è costituito dall’inclinazione nell’indagare aspetti introspettivi e antropologici. Il suo lavoro è stato presentato alla 53° e 54° Biennale d’Arte di Venezia.

Lecture

L’antropologia è un sapere di frontiera perché oltrepassa i confini culturali e statali, perché rifiuta le certezze del mondo di cui è espressione per aprirsi ad altri mondi, ad altre esperienze di significato, un sapere che non può mai stare fermo. Potremmo affermare che è un sapere che sta sulla frontiera: sulla linea di incontro fra tradizioni intellettuali e modi di pensare tra culture diverse. E’ giunto il momento che l’antropologia vada “oltre” l’umano fondando un pensiero ecologico dove tutto il vivente, uomo compreso interagisca senza frontiere di specie.  Di fatto da come abitiamo e pensiamo l’ambiente, da come sapremo narrare e costruire nuovi modi di abitare possiamo cambiare il mondo.

Andrea Staid è docente di Antropologia culturale e visuale presso la Naba, di antropologia culturale presso Università statale di Genova, dirige per Meltemi la collana Biblioteca/Antropologia. Ha scritto: I dannati della metropoli (Milieu 2014), Gli arditi del popolo (Milieu 2015), Abitare illegale (Milieu 2017), Le nostre braccia (Milieu 2015), Senza Confini (Milieu 2018), Contro la gerarchia e il dominio (Meltemi 2018), Disintegrati ( Nottetempo 2020), La casa vivente (ADD 2021), Essere natura (UTET 2022) I suoi libri sono tradotti in Grecia, Germania, Spagna, Cina, Portogallo, Cile. Collabora con diverse testate giornalistiche tra le quali “Il Tascabile” e “Left”.

Lecture

La svolta metafisica postmoderna con la sua messa in discussione radicale delle identità fisse e dell’autorità totalizzante era già stata anticipata e, direi, compiuta nel IV secolo da Basilio di Cesarea e, in particolare, da sua sorella Macrina la Giovane e si trova al centro di ogni mistica esperienza. Sperimentare “l’essere come comunione” va oltre la dicotomia tra essenza ed esistenza e ci invita a costruire comunità umane inclusive non gerarchiche.

Teresa Forcades i Vila (Barcellona, 1966) è medico, teologa e monaca benedettina del monastero di montagna di Sant Benet de Montserrat (Catalogna, Spagna). Master of Divinity (Harvard, 1997), Dottore in Medicina (U. Barcelona, ​​2004) e Dottore in Sacra Teologia (Facultat de Teologia de Catalunya, 2007). Dal 2011 insegna nel suo monastero e all’estero corsi di argomento teologico e medico; è stata anche professore alla Humboldt University di Berlino (2013-14) e alla Universidad Iberoamericana de Ciudad de México (2018-19). Dal 2015-18 ha preso un congedo dal suo monastero (esclaustrazione) per diventare politicamente attiva nel movimento catalano per l’indipendenza. Dal 2017 Forcades è direttore della rivista di pensiero critico cristiano Iglesia Viva (iviva.org). È fondatrice e direttrice della scuola monastica Sinclètica (www.sincletica.cat). In inglese ha pubblicato “Faith and Freedom” (Polity Press, 2016) e il libretto ampiamente distribuito “Crimes and Abuses of the Pharmaceutical Companies” (Cristianisme i Justícia, Booklet 124, 2006). In catalano, spagnolo o italiano è autrice di altri undici libri, tra cui ‘La teologia feminista en la història’ (Teologia femminista nella storia, 2007), ‘Ser persona, avui’ (Essere una persona oggi, 2011), ‘Per amor a la justícia: Dorothy Day i Simone Weil (Per amore della giustizia: Dorothy Day e Simone Weil, 2015), ‘Els reptes del Papa Francesc’ (Le sfide di Papa Francesco, 2017), ‘Il Corpo, Gioia di Dio : la materia come spazio di incontro tra divino e humano’ e ‘Forte come la morte è l’amore. Commento al Cantico dei Cantici’ (Forte come la morte è l’amore. Commento al Cantico dei Cantici, 2021).

Incontro e proiezione

Con Simona Amelotti, Jean Bofane, Filip De Boeck, Giorgio de Finis, Eddy Ekete Mombesa 

Giorgio de Finis, creatore di dispositivi museali relazionali viene invitato nel 2022 dagli organizzatori del KinAct a Kinshasa. La sua proposta per il Festival, e le istituzioni congolesi che incontra nel ciclo di visite e conferenze cui partecipa, è quella di creare, a partire dalle opere e dalle azioni realizzate dal collettivo di artisti che ruota intorno a Eddy Ekete Mombesa, un Musée de la Poubelle. Un museo-provocazione, che metta al centro il tema ambientale e quello delle disuguaglianze (a Kinshasa, nella Repubblica Democratica del Congo, nel continente africano, nel mondo intero), ma anche che si dia il compito di evidenziare e celebrare la straordinaria capacità trasformativa dell’arte, esemplificata all’ennesima potenza dalle opere che gli artisti del KinAct realizzano con i più umili materiali trovati in discarica. Gli artisti performer dei “Rencontres de la Performance” di Kinshasa frantumano la barriera invisibile tra la ricerca artistica e l’espressione spirituale con uno scopo: eliminare il più possibile detriti potenzialmente tossici e inquinanti, dalla vita, dalla terra dei loro avi, educando emozionalmente la popolazione a riutilizzare, riciclare, reinventare, auto-determinandosi per non subire passivamente quello che sta succedendo nel loro quotidiano. Il Congo possiede il secondo polmone del nostro pianeta dopo l’Amazonia.

Giorgio de Finis, creatore di dispositivi museali relazionali viene invitato nel 2022 dagli organizzatori del KinAct a Kinshasa. La sua proposta per il Festival, e le istituzioni congolesi che incontra nel ciclo di visite e conferenze cui partecipa, è quella di creare, a partire dalle opere e dalle azioni realizzate dal collettivo di artisti che ruota intorno a Eddy Ekete Mombesa, un Musée de la Poubelle. Un museo-provocazione, che metta al centro il tema ambientale e quello delle disuguaglianze (a Kinshasa, nella Repubblica Democratica del Congo, nel continente africano, nel mondo intero), ma anche che si dia il compito di evidenziare e celebrare la straordinaria capacità trasformativa dell’arte, esemplificata all’ennesima potenza dalle opere che gli artisti del KinAct realizzano con i più umili materiali trovati in discarica. Gli artisti performer dei “Rencontres de la Performance” di Kinshasa frantumano la barriera invisibile tra la ricerca artistica e l’espressione spirituale con uno scopo: eliminare il più possibile detriti potenzialmente tossici e inquinanti, dalla vita, dalla terra dei loro avi, educando emozionalmente la popolazione a riutilizzare, riciclare, reinventare, auto-determinandosi per non subire passivamente quello che sta succedendo nel loro quotidiano. Il Congo possiede il secondo polmone del nostro pianeta dopo l’Amazonia.

Simona Amelotti è curatrice d’arte contemporanea e professionista della comunicazione. Cresciuta come creativa nel mondo della comunicazione tra arte, musica, costume e moda, dal 1990 al 1998 ha lavorato alla campagna Plastic-Replastic in Italia, un’azione realizzata da Federchimica con Domus Academy e la nascente MTv, per sostenere il riciclo della plastica in Italia collaborando con un team di agenzie di comunicazione internazionali come TBWA, Y&R, Burson & Marsteller e Globe. Dal 2010 ritorna alle attività artistiche non commerciali organizzando eventi e esposizioni, in qualità di curatrice. I suoi progetti tendono alla sensibilizzazione del pubblico alle problematiche contemporanee, dal climat change alla discriminazione, mettendo a frutto gli anni spesi in comunicazione a favore dell’arte e degli artisti. Torinese di origine, milanese d’adozione, oggi vive a Parigi. Dal 2018 sviluppa diversi progetti tra Italia e Francia con Eddy Ekete Mombesa e dal 2021 entra a far parte di KinAct per l’internazionale per consentire scambi artistici tra Europa e Africa. Insegna alla Sorbonne Nouvelle Paris 3.

In Koli Jean Bofane, scrittore. Come molti scrittori congolesi, In Koli Jean Bofane ha scelto l’esilio per esercitare la sua professione e nel 1993 ha deciso di trasferirsi in Belgio. Nel 1996 pubblica Perché il leone non è più il re degli animali per Gallimard Jeunesse, tradotto in più lingue e che gli vale il premio della critica della comunità francese del Belgio. Nel 2000 ha pubblicato Bibi et les Canards e nel 2008 Mathématiques congolaises edito da Actes Sud. Quest’ultimo lavoro gli è valso il Premio letterario della SCAM nel 2009 e il Gran premio letterario dell’Africa nera nello stesso anno. I suoi romanzi trattano della globalizzazione, dell’esistenza dell’individuo, della memoria e della violenza sociale e politica nelle società postcoloniali d’Africa – in particolare dell’Africa centrale.

Filip De Boeck, professore presso il Dipartimento di Antropologia Sociale e Culturale della Facoltà di Scienze Sociali dell’Università di Leuven. Dal 1987 ha condotto un’ampia ricerca sul campo nelle comunità rurali e urbane della Repubblica Democratica del Congo. Gli attuali interessi teorici di De Boeck includono i giovani e la politica culturale, le infrastrutture urbane e la trasformazione dello spazio privato e pubblico nel contesto urbano in Africa. Ha dedicato diverse pubblicazioni su questi argomenti.

Giorgio de Finis, antropologo, artista e curatore indipendente. Ha fondato il MAAM Museo dell’Altro e dell’Altrove di Metropoliz_città meticcia e diretto il Museo di arte contemporanea di Roma con il progetto sperimentale MACRO Asilo. Attualmente dirigi il Museo delle periferie.

Eddy Ekete Mombesa, artista pluridisciplinare e fondatore del KinAct “les rencontres internationales de la performance”. Artista plastico formatosi all’Accademia di Belle Arti di Kinshasa e successivamente in Francia, a Strasburgo, vive e lavora tra Parigi, Kinshasa e il resto del mondo. Pittore, scultore e performer, è il creatore de l’Hommes canettes. La sua pratica artistica ruota intorno alle problematiche ecologiche del suo Paese d’origine e la responsabilità dell’artista nella società.

Proiezione

“Tu non sei mio” è la terza parte di una serie dal titolo “roving with a glass of water” (vagabondando con un bicchiere d’acqua) iniziata nel 2013. Lo sguardo è nel bicchiere che usa come un compasso mentre legge attraverso l’acqua come se fosse una lente d’ingrandimento. La trasparenza, la fluidità, l’accoglienza e la forza di questo elemento sono la sua guida mentre si interroga su ciò che incontra. In questa terza parte, passa un pomeriggio dentro una stanza con una Taccola che è tornata a trovarla. Filma il bicchiere d’acqua che diviene il loro gioco, si butta per terra, condividono cibo, escrementi, sonno e risveglio. Il volatile non ha regole, fa quello che vuole e l’artista pure. Come andare verso l’altro, accoglierlo senza catturarlo e trasformarsi dopo l’incontro è la domanda che Cinzia Sarto sceglie.

Cinzia Sarto, a 20 anni parte da Venezia verso New York, dove si laurea in Architettura. Per 23 anni vive in vari luoghi del mondo ma questa città è rimasta il suo punto di riferimento. Nel 2000, comincia a filmare e si interessa alla video sperimentazione perché è una forma libera di osservare la realtà. Usa il video in tutte le sue forme, dal documentario alla sperimentazione per mantenere la possibilità di osservare la vita come in un viaggio dove i confini tra le cose diventano porosi. Filmare per Cinzia Sarto è dipanare il groviglio di aspettative che ci rende ciechi. Rientra in Italia nel 2003 con l’inevitabile straniamento di chi ha radici in vari luoghi, continando a vagabondare senza conoscere la meta ma fiduciosa che questa è la sua vita.

2017, 03′:36”, HD 1920×1080

Lecture

Possibile frutto di una nuova ecologia politica, la Corona verde di Roma Est è una rete ecologica virtuale composta da oltre 1000 ettari di aree scampate all’edificazione nel quadrante più densamente urbanizzato e problematico della capitale. Quasi tutte queste aree, oltre ai notevoli valori ambientali che le qualificano, custodiscono nel sottosuolo preziose preesistenze archeologiche, ma le loro condizioni sono per lo più molto critiche e la loro frammentazione ne impedisce al momento la possibilità di convertirsi in una vera e propria infrastruttura verde capace di cambiare condizioni ambientali e qualità della vita dei quartieri. Questa straordinaria infrastruttura è però stata ora mappata e co-progettata da comitati e associazioni del territorio con il supporto del Laboratorio di Studi Urbani “Territori dell’Abitare” (LabSU) del Dipartimento di Ingegneria Civile Edile e Ambientale (DICEA) dell’Università di Roma “La Sapienza”. Il percorso partecipativo, supportato da strumenti digitali collaborativi riconducibili alla categoria dei digital commons, mira a fare della Corona verde un modello di pianificazione innovativa incentrata su ambiente e partecipazione, ma anche uno strumento attuativo di una rigenerazione dal basso finalizzata alla trasformazione del modello complessivo di sviluppo a partire dalla ridefinizione alla scala locale delle relazioni tra società, tecnosfera e biosfera.

Luca Brignone, assegnista di ricerca presso l’Università “Sapienza” di Roma, Dipartimento di Ingegneria Civile Edile e Ambientale (DICEA), docente a contratto nel corso di Policy and Action for Climate Change Mitigation alla facoltà di ingegneria per l’Ambiente e il Territorio nello stesso Ateneo. Si è occupato dei temi legati al modello di sviluppo urbano contemporaneo con un approccio critico e territorialista, delle politiche di rigenerazione urbana e di sviluppo locale integrato. Conduce da diversi anni delle pratiche di ricerca-azione nella periferia storica del quadrante est di Roma. Membro del gruppo di ricerca “Laboratorio di Studi Urbani – Territori dell’Abitare”.

Stefano Simoncini, assegnista di ricerca in Urbanistica presso l’Università “Sapienza” di Roma, Dipartimento di Ingegneria Civile Edile Ambientale (DICEA) e membro del gruppo di ricerca “Laboratorio di Studi Urbani – Territori dell’Abitare”. È impegnato nello studio delle trasformazioni urbane e sociali, e in particolare della relazione tra ICT, società e territorio. Con un collettivo di attivisti e ricercatori ha creato un progetto di collaborative mapping su Roma (www.reter.info). Da diversi anni è impegnato, inoltre, in pratiche di ricerca-azione con le reti socio-ecologiche romane.

Installazione fotografica

Il progetto fotografico è un lavoro visivo e relazionale sugli animali e sull’animalità visti come agenti di cambiamento, dall’arte contemporanea al passato. Un confronto tra l’umano e la “bestia” nella loro evoluzione e convivenza per un tema attuale che comincia ad avere delle urgenze di cambiamento di visione e di approccio con la natura e i suoi protagonisti, nonostante il loro continuo “dialogo” affondi le origini nell’antichità. Passando dal tema ecologico e filosofico a quello del cambiamento sostenibile, la serie meta-mitologica prende spunto dalle riflessioni antispeciste e sull’innovazione etica, partendo dall’osservazione del post-umano già bionico, che porta la visione ad anticipare coraggiosamente i tempi. Un’astrazione magica del quotidiano in cui le figure interagiscono con qualcosa di profondamente intimo e folle dello spettatore ma anche tra loro. Questi “nuovi umani o nuovi dei” che fondono il loro corpo con quello degli animali sono l’azione fotografica successiva a quella dedicata all’osservazione del nuovo umano (post-human – replicante), per indagare il processo di cambiamento e metamorfosi trans-umana, spingendosi così avanti nel tempo da rimbalzare indietro e rivelare ciò che sarà dopo il trans-umano, tornando inevitabilmente al mito e alla sua teofania. La tensione del mondo al di là della nostra percezione cattura momenti surreali nel contesto della realtà, invitando a interpretazioni più ampie.

Lucrezia Testa Iannilli Lucrezia Testa Iannilli (Rome, 1977). Fotografa e performer lavora utilizzando strumenti di indagine interdisciplinari. Definisce i processi delle sue pratiche di ricerca intervenendo con installazioni e cicli di performance in spazi decontestualizzati, utilizzando il corpo umano e animale per creare dissonanze cognitive. Attualmente sta portando avanti il lavoro a lungo termine “Una Pura Formalità”, che riafferma il concetto di diventare canale nel contesto della pratica contemporanea; un’indagine trasversale che mette a nudo debolezze e criticità del settore artistico, soprattutto per quanto riguarda la sfera relazionale, la poetica della raccomandazione e il concetto di meta-mitologia associato a quello di burocrazia.

Lecture

Eccentrico è, alla lettera, ciò che si situa fuori o lontano dal centro oppure, in senso comparativo tra più enti geometrici, quel che non abbia il medesimo centro degli altri; in senso figurato, è ciò o chi abbia comportamenti bizzarri, stravaganti, lontani dai modi comuni. Essere eccentrico implica perciò un’inversione geometrica e simbolica delle gerarchie, l’appartenenza a ordini gravitazionali ulteriori rispetto a quelli consueti, e, al contempo, comporta una qualche difformità o anomalia, un discostarsi dalla norma o dalle attese. Questa condizione può essere motivo di stigma, esclusione e rimozione. Oppure, può innescare lo sprigionarsi di prospettive peculiari e avanzate, capaci di proporre nuovi ‘ricentramenti’ di valori e significati. È quello che accade al progetto di paesaggio contemporaneo, quando sappia riconsiderare la posizione del proprio centro, proponendo oscillazioni deliberatamente eccentriche tra naturale e artificiale, umano e non umano, autoriale e condiviso, rassicurante e scabroso, effimero e perdurante, performativo e prestazionale.

Annalisa Metta è professoressa associata in Architettura del Paesaggio all’Università Roma Tre. La sua ricerca si rivolge ad approfondimenti teorico-critici ed esperienze applicate sul progetto degli spazi aperti. Nel 2016-2017 è stata l’Italian Fellow in Landscape Architecture presso l’American Academy di Roma e oggi ne è advisor. Tra i libri, Wild and the City. Landscape Architecture for Lush Urbanism (2019, con M.L. Olivetti), Southward. When Rome will have gone to Tunis (2018, con J. Berger), Anna e Lawrence Halprin. Paesaggi e coreografie del quotidiano (2015, con B. Di Donato). È tra i fondatori di Osa architettura e paesaggio.

Lecture

“Anello Verde” è un progetto per Roma. Affronta il tema del ruolo, degli spazi e delle funzioni attuali della capitale, indagando i dispositivi, i principi e gli spazi possibili del progetto urbano. L’autore si interroga sui metodi e sulle condizioni delle trasformazioni, sulla necessità di riallineare politiche e progetti, sulla possibilità di tenere insieme paesaggi concreti e norme astratte, risorse e obiettivi della città attuale. Una riflessione teorica sulla città a partire dalla parte concreta della città.

Luca Montuori, (Roma 1965), architetto PhD, laureato presso la Facoltà di Architettura di Roma La Sapienza. Attualmente è professore associato di Composizione architettonica urbana presso il Dipartimento di Architettura dell’Università Roma Tre. Dal marzo 2017 all’ottobre 2021 ha ricoperto il ruolo di Assessore all’Urbanistica di Roma Capitale, fino a settembre 2017 anche con delega alle Infrastrutture. Nel 2001 ha fondato con Riccardo Petrachi lo studio 2tr_architettura. Lo studio negli anni si è concentrato prevalentemente su incarichi di committenza pubblica elaborando progetti di diversa scala e natura. Tra i principali interventi realizzati: edificio sperimentale per abitazioni pubbliche (Pesaro, concorso abitarEcostruire); Parco Fluviale di santa Fiora, Parco delle Miniere del Cornacchino, Museo e centro di documentazione TAC, Territorio e Ambiente a Castellazzara, (tutti sul Monte Amiata, Grosseto); Parco del piano della Civita e il museo archeologico di Artena (Roma). Con lo studio ha partecipato a concorsi internazionali ricevendo premi e menzioni tra cui il Premio Piranesi per il progetto “via dei Fori Imperiali e l’area archeologica centrale”. Dal 2008 al 2016 è membro del Comitato Scientifico della Casa dell’Architettura di Roma.

Lecture

In questa conferenza, Elhaik si basa sul suo primo lavoro sul campo sull’arte critica e sulle pratiche curatoriali a Città del Messico, nonché sul suo recente libro sull’estetica contemporanea. Impegnato nel compito antropologico di “curare l’umano” e nell’assumere assemblaggi di ethoi come oggetti di indagine, l’antropologo condivide gli spunti della sua indagine sull’immaginazione scientifica e le pratiche audiovisive della ricerca sui cetacei in una triplice messa in scena: Stretto di Gibilterra, Mar Tirreno e Golfo di California.Attento sia alle dinamiche politico-ecologiche di questi ambienti marini sia alle tecnologie attualmente in fase di sperimentazione nell’etologia dei mammiferi marini, nelle scienze della comunicazione e nella gestione alieutica, Elhaik individua i contorni di un’estetica dell’esistenza animato da quella che chiama una “immaginazione etero-etologica”.

Tarek Elhaik è Professore Associato di Antropologia presso l’Università della California, Davis. È autore di The Incurable-Image: Curating Post-Mexican Film and Media Arts (Edinburgh University Press, 2016) e di Aesthetics and Anthropology: Cogitations (Routledge, 2022). Ha uno studio curatoriale e dirige la sede AIL: Anthropology Image Lab. È anche ricercatore e co-direttore del programma di ricerca Future Flourishing (2023-2028) finanziato dal CIFAR, il Canadian Institute for Advanced Research.

Lecture

Giulia Fiocca e Lorenzo Romito

L’esperienza pluriennale del processo ecologico e sociale generatasi attorno all’emergere del lago Bullicante, costituisce nell’insieme un processo unico di trasformazione del rapporto tra città e natura, da cui apprendere e su cui fondare una profonda trasformazione dell’urbanistica e della progettazione, della giurisprudenza ambientale, della ricerca, della formazione così come dei comportamenti sociali in genere. Oggi è fondamentale riconoscere questo tipo di agency bio sociale e favorirne l’azione in ciascuno degli ecosistemi urbani emergenti in zone già di sfruttamento e prive di tutela che Stalker sta cartografando in un Atlante. D.A.F.N.E. Danni Ambientali e Formazione di Nuovi Ecosistemi è il nome proposto per questa agency.

Giulia Fiocca, architetta, ricercatrice indipendente, attivista e docente con Lorenzo Romito di Arte Pubblica alla NABA di Roma e al Master in Environmental Humanities dell’Università Roma Tre. Si occupa di tematiche legate alle trasformazioni urbane e sociali soprattutto relative a comunità marginali, spazi abbandonati, pratiche di autorganizzazione sociali e culturali, sperimentando e promuovendo azioni creative collettive per la trasformazione urbana e sociale, dal 2006 con Stalker a Roma. È cofondatrice di PrimaveraRomana (2009-2013), SUN Scuola di Urbanesimo Nomade (dal 2017) e dello spazio NoWorking (dal 2016).

Lorenzo Romito, artista, architetto, attivista, curatore e ricercatore indipendente, Stalker, professore di Space and Design Strategies presso la KU Linz (Austria). È docente con Giulia Fiocca di Arte Pubblica presso la NABA di Roma e del modulo Stalker nel Master in Environmental Humanities dell’Università Roma Tre. ‘Prix de Rome Architecte’ presso l’Accademia di Francia Villa Medici a Roma (2000-2001). È cofondatore di Stalker (1995-), Osservatorio Nomade (2002-2009), PrimaveraRomana (2009-2013), Biennale Urbana (2014-), NoWorking (2016-) e SUN Scuola di Urbanesimo Nomade (2017-).

Incontro e proiezione

Intervengono: Pietro Ramundo, Francesca Zubbani (CoBrAgOr – Cooperativa Braccianti Agricoli Organizzati), Giacomo Lepri (Cooperativa Agricola Coraggio), Paolo Berdini (urbanista), Carlo Infante.

A seguire proiezione del film-documentario “1968 Gli Uccelli: un assalto al cielo mai raccontato” di Silvio Montanaro e Gianni Ramacciotti

con la partecipazione di Martino Branca e Roberto Maria Federici (Diavolo) del gruppo de “Gli Uccelli”.

La straordinaria avventura degli Uccelli, gruppo creativo nato a Roma nel 1968, nella facoltà di Architettura a Valle Giulia. L’occupazione della cupola borrominiana di S. Ivo alla Sapienza, l’invasione a Matera per la riqualificazione dei Sassi, il rapporto con i maggiori artisti e intellettuali dell’epoca, il sostegno alla popolazione terremotata di Gibelllina, nel Belice, lo stretto rapporto con i berlinesi della Kommune1, per dare vita a un 68 diverso, gioioso, partecipato, dissacrante. Un documentario che porta lo spettatore nel cuore di un’epoca di rivolta felice, con le voci e le immagini di chi mise l’estetica sul terreno della politica, ispirati da un filo di magnifica pazzia.

Incontro

Viste in una prospettiva paesaggistica ed ecologia, sono le periferie urbane che garantiscono la sopravvivenza dei centri su cui gravitano, ribaltando l’idea usuale di centralità e marginalità, di ricchezza e privazione. È infatti nelle loro discontinuità e frammentarietà che risiede quel “capitale naturale” dove si generano o transitano risorse e flussi – di aria, di acqua, di cibo, di relazioni tra viventi – essenziali per la vita nelle città. Le periferie forniscono quindi non solo la forza lavoro per la produzione del capitale finanziario, ma anche le risorse e le diversità biologiche, fisiche e sociali, i cosiddetti “servizi ecosistemici” necessari al sistema. Roma, con la struttura radiale di corpi ambientali che dall’esterno si incuneano fino alla città storica, rappresenta un ottimo osservatorio. L’elevato gradiente di naturalità che permane nel suo sviluppo discontinuo, permette la realizzazione di interventi di paesaggio più incisivi ed inclusivi. La ricerca “Paesaggi di Roma per il XXI secolo. Un atlante di trasformazioni sostenibili” (Sapienza Università di Roma, 2023-2025) ha come obiettivo la costruzione di un Atlante dei nuovi paesaggi di Roma per il XXI secolo. Un Atlante per comprendere l’oggi e orientare la rinascita e le trasformazioni della città attraverso le prospettive molteplici della progettazione di paesaggi: Roma come un grande paesaggio.

Fabio Di Carlo è professore ordinario di Architettura del Paesaggio, presso Sapienza Università di Roma, dove presiede la Laurea in Architettura del paesaggio. È stato presidente della Società Scientifica Italiana di Architettura del Paesaggio, ed è membro di comitati scientifici internazionali. Ha curato mostre quali Renaissance, Biennale di Architettura di Pisa (2021) e Franco Zagari. La parola ai progetti (2017-2019), convegni quali Il paesaggio come sfida (2016) e Rome’s Landscape. LE:NOTRE Landscape Forum (2013). Tra le pubblicazioni: Paesaggi di Calvino, (2013); Franco Zagari, (2021); Constructed Natures: Shaping Ecology through Landscape Design (SUSTAINABILITY, 2021) e Paradossi dell’acqua. Tra scarsità̀ ed eccessi, desideri e preoccupazioni (RI-VISTA luglio 2023).

Lucina Caravaggi è professoressa ordinaria di Architettura del Paesaggio, a Sapienza Università di Roma, dove è coordinatrice del Dottorato di Ricerca in Paesaggio e Ambiente. Coordinatrice di numerosi progetti e ricerche: “Linee guida del progetto GRAB – Grande Raccordo Anulare delle Biciclette” (2017-2021); Paesaggi dell’impianto geotermico “Val di Paglia” ad Abbadia San Salvatore (SI); “Attract. SmArT neTwoRk for sustainable  Accessibility of widespread Cultural siTes in  Lazio region”, con Roma Servizi per la Mobilità S.r.l, (2022-in corso); “Mindscape infrastructures. A new life cycle for therapeutic precincts” (2018-2020); Progetto “SISMI. Tecnologie per il miglioramento della sicurezza e la ricostruzione dei centri storici in area sismica” (2019-2020).

Isabella Pezzini è professoressa ordinaria di Filosofia e Teoria dei linguaggi presso Sapienza Università di Roma, dove insegna semiotica. È autrice e curatrice di molti saggi e volumi, tra i quali Introduzione a Barthes (2014), Semiotica dei nuovi musei (2011), Immagini quotidiane (2008). Fra gli ultimi volumi curati il numero della rivista Punctum, Paolo Fabbri. Unfolding semiotics. Pour la sémiotique à venir (2021) e le antologie Dallo spazio alla città. Letture e fondamenti di semiotica urbana, con R. Finocchi (2020); La moda fra senso e cambiamento, con B. Terracciano (2020).

Tavola Rotonda

Nell’ultimo decennio Roma ha visto il proliferare di musei-fai-da-te. La tavola rotonda prova a fare il punto su questo interessante percorso, provando a capire quanto questi “dispositivi” autonominati e autogestiti, nati spesso in periferia e in luoghi non deputati, spesso con una precisa vocazione politica e sociale, community-specific oltre che site-specific, stiano contribuendo alla ridefinizione del concetto stesso di spazio museale.

Interventi di:

Fausto Delle Chiaie, Museo a cielo aperto
David Diavù Vecchiato (MURo Museo Urban di Roma)
Giorgio de Finis (MAAM Museo dell’Altro e dell’Altrove di Metropoliz)
Claudio Gnessi (Ecomuseo Casilino Ad Duas Lauros e M.A.U.Mi Museo di Arte Urbana delle Migrazioni)
Cristina Giuliani (Museo Condominiale di Tor Marancia – Tormararte)
Francesco Careri (Museo delle Memorie – Laboratorio di Città Corviale)
Lorenzo Romito (MAd’O Museo dell’Atto di Ospitalità @SpinTime Labs)
Aldo Innocenzi Stalker/Museo relazionale
Pino Volpino e Mirko Stelleconfuse Bellucci (SAMRO Sticker Art Museum Rome)

Conclusioni di Valter Curzi, Direttore della Scuola di specializzazione in Beni storico Artistici della Sapienza

Videoproiezione

Video, 11’53’’

2011

Torturing Flowers è una trilogia basata su tre interrogazioni parlamentari presentate fra il 1997 e il 2011 alla Commissione Europea e riguardanti l’arte contemporanea.

Oggetto delle interrogazioni sono: la definizione di arte; le regole del mercato e le strategie fraudolente messe in atto da gallerie e artisti per aggirarle; e infine le iniziative della Unione Europea a sostegno dell’arte contemporanea.

Attraverso la giustapposizione tra l’antica immagine convenzionale della bellezza legata ai fiori e una lettura enfatica e forzata dei testi parlamentari che va oltre il loro significato letterale, Torturing Flowers evidenzia il paradosso a cui va incontro il discorso artistico quando interseca il linguaggio burocratico.

Primo premio Miglior film d’arte, Asolo Art Film Festival, XXXI edizione, Asolo, Italy, 2012. Selezione speciale, Videoholica, V edition, Varna, Bulgaria, 2012. Selezione ufficiale in concorso, Videomedeja, 17 International Video Festival, Novi Sad, Serbia, 2013.

TORTURING FLOWERS (2011), di Pasquale Polidori. Con Luigi Battisti, Fabio Pagani e Pasquale Polidori; voci di Parysa Pourmoneshi e Gaby Ford; fotografia e riprese di Michele Imperio; musica di Fabio Pistillo; montaggio di Andrea Balzarini e Pasquale Polidori.

La ricerca artistica di Pasquale Polidori (1964) è orientata a una ricostruzione della storia dell’arte come luogo di patetiche illusioni soggettive, smarrimento delle definizioni estetiche, nonché fine e rimozione costante della contemporaneità. I suoi lavori si presentano nelle forme di una testualità complessa, in cui confluiscono la scrittura, l’oralità, la costruzione di dispositivi relazionali volti alla composizione di discorsi critici partecipati, e una limitata produzione di immagini generate attraverso il ricorso a medium diversi. Ha esposto in spazi indipendenti e istituzionali.

Lecture

La città è da sempre un laboratorio potente di cambiamento, trasformazione, contrasti e sperimentazione che nell’ultimo secolo ha vissuto un’accelerazione drammatica che sta chiedendo visioni alternative rispetto al modello di crescita della modernità. In un tempo di metamorfosi profonda e di interrogativi sui profondi cambiamenti ambientali e sociali siamo chiamati a ripensare a forma di patto spaziale che costruiscono luoghi sostenibili, inclusivi e circolari. La meraviglia è un sentimento collettivo e individuale da cui ripartire, per tornare a guardare al mondo nella sua ricchezza e contraddizioni e a costruire forme diverse di partecipazione e progettazione comune.

Luca Molinari è critico, curatore e professore ordinario di Teoria e Progettazione dell’Architettura presso l’Università degli Studi della Campania «Luigi Vanvitelli». Direttore editoriale della rivista «Platform Architecture and Design », collabora come autore indipendente con quotidiani e periodici italiani e stranieri, tra cui «Corriere della Sera», «La Stampa», «L’Espresso», «Lotus». Nell’ottobre 2020 è stato nominato direttore scientifico di M9 Museo del ‘900, Mestre. Responsabile per l’Architettura e la Città alla Triennale di Milano (2001-2004), nel 2010 ha curato il Padiglione Italiano in occasione della 12a Mostra Internazionale di Architettura, Biennale di Venezia, e dal 2012 al 2018 è stato membro del Consiglio Superiore dei Beni Culturali e Paesaggistici. Tra le sue ultime pubblicazioni Dismisura. La teoria e il progetto nell’architettura italiana (Skira 2019) e Le case che siamo (nottetempo 2016 e 2020). Per Einaudi ha pubblicato La meraviglia è di tutti. Corpi, città, architetture (2023).

VALERIO MUSCELLA | QUI, ALTROVE

Qui, altrove, consiste in una selezione di fotografie che accompagna lo spettatore in un viaggio lungo i margini attraverso occupazioni abitative, frontiere di terra e di mare, campi informali e rotte migratorie in Europa, nei Balcani e in Medio Oriente.Il percorso visivo invita a riflettere sulla necessità dello sguardo di allontanarsi dal centro, mettendo in luce storie interstiziali in contrapposizione alla narrazione dominante, troppo spesso focalizzata sulla prospettiva dell’uomo bianco occidentale che discrimina ed esclude visioni discordanti con la propria.Qui, altrove raccoglie e documenta la complessità del presente aprendo alla possibilità di altre visioni sul reale.

Valerio Muscella è un fotografo documentarista freelance che si occupa di fotogiornalismo e narrazione multimediale in Italia e all’estero. Da anni segue e documenta le dinamiche relative alla lotta per la casa a Roma e ai flussi migratori in Europa e in Medio Oriente. Collabora con associazioni e organizzazioni non governative e i suoi reportage sono stati pubblicati su giornali e riviste nazionali e internazionali.

Lecture

Il centro è ciò che conta, ciò che organizza tutto il resto. Ma è anche ciò che è ovvio. Ecco perché accogliere gli altri implica decentrarsi. Alcuni corpi vivono, “sono”, al centro, quelli che possono allargarsi, mostrarsi, distendersi, senza nemmeno pensarci, senza interrogarsi – corpi maschili, eterosessuali, cis. Sono corpi al centro di un mondo che percepiscono come ovviamente disponibile e confortevole. Ma altri soggetti sperimentano un corpo che non è di casa nel mondo. Si imbattono in un mondo che per loro non è stato pensato, plasmato, reso comprensibile. Proponiamo di pensare, da una prospettiva femminista, il singhiozzo come manifestazione di corpi ai margini. Il singhiozzo è una forma di caotizzazione del corpo, che è allo stesso tempo esperienza di impotenza e protesta contro di essa.

Estelle Ferrarese è professore ordinario di filosofia morale e politica all’Università Picardie-Jules-Verne. È la direttrice dell’istituto di ricerca francese dedicato al genere e alle sessualità, l’Institut du gender. È stata Visiting Professor presso la New School for Social Research di New York, Alexander von Humboldt-Foundation fellow presso la Humboldt Universität di Berlino e research fellow presso il Marc Bloch Franco-German Center of Social Science Research, a Berlino. I suoi libri includono: Vulnerability and Critical Theory, Brill, 2018, The Politics of Vulnerability (a cura di), Routledge, 2017; La Fragilité du souci des autres. Adorno et le care, Lyon, Editions de l’ENS, 2018 (traduzione inglese: The Fragility of Concern for others. Adorno and the Ethics of Care, Edinburgh, Edinburgh University Press, 2020). È anche autrice di numerosi articoli su Critical Theory, filosofie femministe e vulnerabilità come categoria politica. Il suo primo libro in italiano è uscito con Castelvecchi nel 2023: Manifesto per una teoria critica femminista.

Proiezione

All’irrompere della pandemia, nel marzo del 2020, due performers decidono di continuare a lavorare insieme nonostante la distanza forzata e sviluppano una performance che accade simultaneamente connettendo la Finlandia e la Tunisia. Per indagare la sensibilità vegetale, Egle e Talel si concentrano sul senso del tatto: le molteplici maniere in cui tocchiamo, sfioriamo, carezziamo le piante e su come esse rispondano agli stimoli tattili. Nei successivi capitoli, il ruolo del tatto viene messo in risalto anche nella sperimentazione scientifica. Il Centro di Biotecnologia di Borj Cedría (Tunisia), con la sua avanzatissima ricerca sulle piante estremofile, si presenta come un teatro perfetto di riflessioni per imparare a discernere quale sia l’avanzamento scientifico che può davvero portare benefici alle generazioni future. Le piante estremofile, selvatiche in natura, sono in grado di sopravvivere in ambienti molto ostili e di bonificare la terra per ospitare piante agricole. Il film si conclude con una esplorazione semplice ma illuminante dove si deduce l’importante funzione della millenaria conoscenza botanica, delle piante e del loro uso.

Video full HD, 16′:36”, lingua francese, 2022

Egle Oddo, (1975). Il suo lavoro verte sulla narrazione lineare e non lineare come forma d’arte. Interessata al realismo operativo, inteso come presentazione della sfera funzionale in una disposizione estetica e le sue interrelazioni, combina fotografia, immagini in movimento, installazione, scultura, arte ambientale e arte sperimentale dal vivo. Nelle sue opere la produzione industriale si trasforma in un delicato artigianato, le forme di vita appaiono ed emergono da sculture e oggetti, la fotografia cinematografica si appropria alle immagini digitali, selezionati scarti si mescolano al design, preziosi minerali e ricette ancestrali sono serviti come parte di pasti rituali. Il suo lavoro è presente in biennali internazionali, musei e importanti istituzioni, nonché in spazi ed eventi alternativi all’avanguardia e indipendenti, per citarne alcuni MAXXI Museum of 21st Century Art, Manifesta12, Zilberman gallery, 3me Biennale Internationale de Casablanca, Finnish National Museum of Fotografia, 54a Biennale di Venezia, Triennale Agrikultura, MACRO Museo d’Arte Contemporanea, Galleria Bikini Wax, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Club Solo, Kunsthalle Exnergasse Vienna, Transmediale, Galleria Pace Digital New York, Loop Barcelona. Vive e lavora a Helsinki.

Proiezione

Il progetto video “Colorism” accompagna le foto realizzate per il numero 6 di FLEWID Inner Resilience  edito nel 2021. Si tratta di un servizio realizzato a Napoli nei quartieri Spagnoli dove a un gruppo di modelle nere di diversa provenienza geografica è stato chiesto di interrogarsi sulle problematiche razziali all’interno delle comunità black.

Angelo Cricchi è nato a Roma, città dove vive e lavora. Nel contesto della Moda ha collaborato con i più prestigiosi magazine internazionali, realizzando editoriali e ritratti di celebrities. Nel 1997 ha fondato la sua casa di produzione, Lostandfound, per la quale ha realizzato campagne pubblicitarie per clienti del calibro di Kenzo, Miss Sixty e Gucci. Dal 2001 si sta cimentando nella direzione di cortometraggi, video d’arte e fashion film. La sua ricerca personale si è sviluppata parallelamente ai lavori commerciali: dopo la mostra “Gloomy Sunday” del 2009 presso il museo MAK di Vienna, Cricchi ha ridotto l’impegno nella fotografia di moda per concentrarsi sulle meccaniche, estetiche e concettuali, della cosiddetta “fine art photography”. I suoi lavori sono stati esposti in musei ed istituzioni private in Italia, Olanda, Francia e Austria. Attualmente è direttore creativo dei magazine FLEWID e IRAE.

Proiezione

Per dare voce a chi non ne ha e per chiedere attenzione a chi non ascolta.

Uso del gesto istintuale e dei segni della LIS (Lingua Italiana Sordi) per la SUPPLICA ‘…’ di attenzione alle popolazioni che premono sulle frontiere.

‘…’

NOI siamo tutti nella stessa barca

Guarda cosa succede …

uomini, donne e bambini annegano;

uomini, donne e bambini sono accolti da barricate.

I popoli migrano… (continua)

Le frasi della SUPPLICA virgolettate sono tratte dal discorso di Papa Francesco all’Assemblea Generale delle Nazioni Unite (New York, 25 settembre 2015)

Paola Romoli Venturi è nata a Roma, dove vive e lavora. La sua ricerca artistica è legata al valore della trasparenza come mezzo per comunicare. “La trasparenza e la sospensione predispongono il visitatore a “guardare attraverso”, a non distogliere lo sguardo ad osservare le cose per riflettere” questo il pensiero ispiratore delle sue performance e  installazioni esposte in Italia e all’estero. Nel suo lavoro tocca temi sociali, creando spazi disegnati da luci ombre e suoni, utilizzando diversi mezzi espressivi pittorico scultorei, video audio ed installazioni site specific performative.

Italia, 2016, 16/9, durata 4’4”

Lecture

Una riflessione artistica e militante sulla situazione della lotta delle donne, per trovare un posto al di fuori dell’esclusione e della violenza esercitata in una società patriarcale che vuole vederle soggette al proprio ordine e mandato.

Elina Chauvet (1959) è nata a Casas Grandes Chihuahua, in Messico. È laureata in architettura presso L’Università autonoma di Ciudad Juárez. In Messico ha seguito numerosi seminari con insegnanti di chiara fama come Luis Nishizawa, Luis Felipe Ortega e Miguel Castro Leñero. Elina svela nella sua arte le esperienze violente che hanno segnato la sua vita, il vivere in due stati (Chihuahua e Sinaloa). Il suo processo artistico ruota attorno all’artivismo e al femminismo di cui indaga i processi sociali e la violenza nei confronti delle donne.  La sua più recente collaborazione nel 2023 è con la casa di alta moda DIOR che l’ha invitata a realizzare un’opera per il suo progetto DIOR CRUISE 2024. Creatrice dell’installazione di Public Art “Red Shoes”, il progetto artistico collaborativo iniziato nel 2009 a Ciudad Juárez e poi replicato in tutto il mondo , le scarpe rosse di Elina Chauvet sono oggi il simbolo contro la violenza di genere a livello internazionale.

Incontro

Nascere nei boschi d’Abruzzo e non smettere di nascere lì, imparare a performare una preghiera selvatica della tua terra lago che spaventa pure gli animali, e farlo poi solo in boschi, chiese o dimore, scolpire con barbe vegetali corna ossa legno radici un corpo che non ti appartiene neanche piú, arrivare al tuo viso per deformazione animale e vegetale, costruire la Casa del Senza e stare con gli animali selvatici perché la casa è fuori, guardare all’Artico come una nostalgia di dio, la Tenda Rossa come biografia di un allarme, cesellare Erbari di 490 pezzi che chiami Anthurium, andare ad abitare in un Orto Botanico di Palermo tra alghe e radici costruendo una dimora nell’inabitabile e una Sindone Vegetale trasformando la Casa in Chiesa rupestre, separare presenza/linguaggio/azioni per trasformarsi nell’Opera che ti vuole accadere, progettare la Botanica del Cretto di Burri nella casa devastata dai terremoti come lo fu la tua, sognare una Porziuncola d’oro nelle Dolomiti in cui arrivare camminando sulle ginocchia o sollevato ad un centimetro dal suolo, dirti che installerai alle millemila luci nella banca dei semi in Norvegia, l’unica vera chiesa a cui la terra affida il suo spirito e tu il tuo a lei. Ogni autobiografia è una contraddizione inabitabile: il mio nudo è un abito fittissimo e noi siamo fatti solo di quello in cui vogliamo scomparire.

Tiziana Cera Rosco è artista e poetessa italiana (Milano,1973). Cresciuta tra il Parco Nazionale d’Abruzzo e le Sacre Scritture, è arrivata all’immagine attraverso la parola poetica e ha iniziato a lavorare con il proprio corpo usando la fotografia – il selfportrait – intesa come gesto di un atto performativo. Le sue performance, nate nella terra in cui è cresciuta, sono in stretta relazione con il luogo e si svolgono in posti sacri, che siano boschi, foreste, chiese consacrate e sconsacrate, monasteri. La sua attività scultorea prende vita da quella performativa, in un innesto di figure umane, vegetali e animali. Nei suoi lavori ha affrontato il tema del terremoto, della deposizione, del perdono, della metamorfosi con la natura e dell’abitare. Scrittura, fotografia, performance, scultura: tutto fa parte di un unico linguaggio come tentativo di accoppiamento o di separazione dal mondo dove il ruolo dell’artista è quello di essere ricettivo, una figura della soglia. Ospite di numerosi festival nazionali ed internazionali, ha esposto, performato e tenuto reading sia in Italia che all’estero. La sua ultima mostra è Anthurium, parla mio fiore. A partire da Corpo Finale, ha tolto dal commercio i suoi libri.

Lecture

L’evento-Antropocene, al di là di polemiche, interpretazioni alternative e mode, è un fatto culturale totale che sta forzando l’immaginario collettivo a produrre narrazioni, atlanti ìconografici, cosmografie. Quando però si cerca di tradurre questa mole eterogenea di pensiero intuitivo in un fascio di paradigmi operativi, l’impressione è quella di provare a modificare la realtà con un pugno di mosche. Da un lato abbiamo un iperoggetto ingestibile, l’Antropocene, dall’altro c’è il mondo reale, in cui la vita va avanti al di là delle etichette intellettuali, delle conversazioni intelligenti e delle chiacchiere. Per uscire da questa empasse cognitiva bisogna accettare l’idea di vivere in una situazione di cecità, un macro errore prospettico che ci impedisce di riconoscere che il nostro quotidiano è già stato investito da un cambio di paradigma, un impatto antropologico dagli effetti immediati e reali. Dunque, che fare? Come declinare la discussione virtuale in una vera e propria pratica di terreno? L’idea è quella di riterritorializzare l’evento-Antropocene in ambito locale e periferico. I metodi vanno inventati caso per caso. Qui verranno indicate alcune piste di lavoro a partire da casi di studio.

Matteo Meschiari (Modena 1968). Già ricercatore in Scienze Demoetnoantropologiche, è professore associato in Geografia all’Università di Palermo. Da anni studia il paesaggio in letteratura (in particolare Campana, Biamonti e la Linea ligustica) e svolge ricerche sullo spazio percepito e vissuto in ambito europeo ed extraeuropeo. Ha formulato la Landscape Mind Theory, con cui sostiene che la mente dell’uomo è geneticamente e culturalmente paesaggistica, e ha proposto nuovi modelli interpretativi per l’arte paleolitica franco-cantabrica. Oltre a numerosi articoli, ha scritto libri di carattere saggistico e letterario. Con Antonio Vena ha ideato il progetto TINA-LA GRANDE ESTINZIONE sull’immaginario collettivo nell’Antropocene e i blog La Grande Estinzione e Il problema di Grendel.

Incontro

In dialogo con Alessandro Romanini

Definendosi un artista-attivista per i diritti femminili, il suo lavoro fotografico si situa all’incrocio fra i parametri linguistici della body art /performance e dell’impiego espressivo del mezzo fotografico. Ha iniziato recuperando in vecchi archivi fotografici, foto di acconciature femminili del periodo precoloniale. Come è noto le elaborate acconciature delle donne africane (ivoriane in particolare), rappresentano un linguaggio non verbale, da cui si può evincere classe sociale, etnia, religione, stato civile, cultura e lavoro. I capelli sono per l’artista elemento identitario e strumento di rivendicazione della black beauty, che (soprattutto negli Stati Uniti ma anche in Africa) è divenuto elemento di discriminazione. L’artista racconterà la sua esperienza biografica e artistica in Costa d’Avorio e le sue molteplici attività su scala globale.

Laetitia KY artista e attivista ivoriana nata nel 1996 ad Abidjan. Le sculture di capelli che crea sulle sue lunghe trecce, e successivamente le fotografie, trasmettono un messaggio di amor proprio, uguaglianza di genere, accettazione delle differenze, tolleranza. Ogni scultura trasmette individualmente un messaggio particolare ma l’idea generale alla base di tutte le opere, oltre a rappresentare la bellezza e l’estetica nera, è quella di incoraggiare gli altri ad accettare se stessi senza paura. Usa anche la sua arte per difendere i diritti delle donne in tutto il mondo. La sua popolarità aumenta gradualmente ma conosce un boom quando una delle sue serie di foto diventa virale. La serie presentava i suoi capelli scolpiti a forma di mani è condivisa sul Web globale da riviste e media di tutto il mondo. È la prima vincitrice della sezione influencer del famoso concorso di look per modelle Elite. Si interessa anche di cinema debuttando nel 2019 nei panni della “regina” in “La notte dei re” di Philippe Lacôte. Il suo secondo progetto al cinema nel 2021 è “DISCO BOY” di Giacomo Abbruzzese dove interpreta il ruolo di MANUELLA/UDOKA. È autrice del libro LOVE AND JUSTICE, un viaggio di empowerment, attivismo e abbraccio della bellezza nera in cui condivide la sua esperienza personale e fotografie artistiche dei suoi capelli.

Incontro e workshop

African Ning Meditation dei 5 elementi riprende il percorso dello sciamano Umtar. Ning significa “bozzolo” e come il bozzolo racchiude la crisalide possiamo indicare il “ning” come una corazza priva di consapevolezza, da spaccare attraverso la rivelazione sciamanica, liberando la bellezza e le potenzialità che vi sono racchiuse. “Ning” è il bozzolo di energie dense prodotte nel corso della vita ed è fatto di impronte energetiche dissonanti con l’ armonia dell’ l’Universo, come la rabbia, la delusione, il senso di impotenza, la frustrazione, la depressione, la paura,la gelosia, invidia, il delirio di onnipotenza e l’ egoismo. Queste vibrazioni  si sommano stratificandosi intorno alla nostra parte più autentica, diventando una zavorra. La crisalide, la parte di noi più autentica è in perenne comunione cosmica. Le energie dei cinque elementi vengono in aiuto e attingono alle frequenze energetiche dei cinque elementi che compongono la Terra e ogni essere vivente: Acqua, Fuoco, Terra, Pietra e Natura. L’esperienza permette di scoprire il proprio elemento dominante e di individuare il proprio spirito guida, in una modalità da psicologia archetipica che associa questa pratica alle indagini di C.G.Jung, illustrate nel suo celeberrimo Libro Rosso.

Durata: 120 min

Aminata Fofana è nata in un piccolo villaggio nell’Africa occidentale, in Guinea. Viene segnata profondamente dalla figura del nonno, grande uomo di ginnah bjé, la magia bianca, eletto Morik (sciamano) della tribù, attraverso una profezia.  Appena adolescente, si trasferisce con la famiglia nella capitale Conakry. Qualche anno dopo decide di trasferirsi in Europa e inizia una carriera come mannequin e successivamente come cantante incidendo l’album “The Greatest Dream” con Mercury Records che la vede in collaborazione con i Massive Attack , Fugees di Wyclef Jean e Craig Amstrong. In seguito a un’operazione medicale perde una parte del suo talento vocale ed è in quel momento che riceve dei segnali e delle visioni che la riconducono alla sua dimensione ancestrale africana. Con una rinnovata consapevolezza si immerge nella conoscenza delle forze spirituali e dei potenti rituali antichi. Scrive La Luna che mi seguiva per Einaudi un bestseller ripubblicato in seguito da Tea Libri. Il libro parla dello sciamanismo africano e di spiritualità cosmica. Oggi organizza corsi esperienziali chiamati “Ning Meditation” che prevedono l’uso di un tamburo sacro e canti, preceduti da rituali.

Incontro e proiezione

Nel nostro Paese è connaturato un atteggiamento diffuso che è legato a clan amicali e politici. Se non sei “nel giro giusto” la tua voce avrà scarse possibilità di emergere, tantomeno di incidere nell’attuale assetto culturale. La legislazione e lo Stato di diritto si scontrano con dati, condotte preoccupanti che non premiano le qualità costituenti la democrazia, ma le particolarità chiuse dell’ ’’amichettismo” che risulta quale mito fondativo nazionale. Nell’ambito cinematografico questo aspetto è palese; al cinema e nei festival solite facce, soliti loghi, soliti idiomi. Abbassare lo sguardo o girarsi dall’altra parte non aiuta. È necessario promuovere un’apertura anche al dissenso, alle voci fuori dal coro, agli sconfinamenti, alle visioni periferiche e di frontiera e devono essere proprio le istituzioni democratiche a farlo, differenziandosi così in modo inequivocabile da quelle anti democratiche. Affinché la democrazia non si sclerotizzi in anaciclosi cioè in una sorta di degenerazione “maligna” a ciclo continuo, è urgente spalancare le porte a visioni altre rispetto a quelle dominanti. Il Cinema Minimo è una di queste visioni ed è la conseguenza di un lavoro più che trentennale, controcorrente, sostanzialmente emarginato dalle istituzioni, ma tenace e duraturo, oggi più che mai vitale e necessario per l’avanzamento di una democratizzazione partecipativa dei media.

Segue proiezione in anteprima mondiale

“Convivenza remota – A far together” di Rodolfo Bisatti (Italia, 2023, 93’)

Intervengono gli attori protagonisti: Sara Porcella e Leo Cattaneo

Per qualche motivo, a noi ignoto, Maddalena (giovane commerciante elettronica) non esce di casa. Vive con il fratello, unico essere umano che accetta in presenza. Maddalena ha però un ragazzo: Agamennone (Aghi) venditore “battipanni” seriale e attore di teatro, passione che coltiva in segreto. I due convivono in rete, anche in modo conflittuale, lui vorrebbe una relazione in carne e ossa, lei, reclusa, sembrerebbe non soffrire di alcuna sindrome di hikikomori. La vicenda non si snoda ma si avvita fino a trovare una risoluzione che parrebbe congiungere entrambi… L’amore non ha limiti…(?)

Rodolfo Bisatti, regista e sperimentatore cinematografico e televisivo. Si forma presso Ipotesi Cinema e il DAMS di Bologna. Tra le opere: La Terra, La Valle (Bratislava), Case (Locarno), Màuse, Il Giorno del Falco (Venezia), La Donna e il drago (Milano), Voci nel Buio (Shanghai- Los Angeles), La crudeltà del Mare(Malatya), Al Dio Ignoto (Mumbai). Fonda nel 1995, con altri autori, Kineo, Associazione per lo studio e la ricerca sulla comunicazione audiovisiva e realizza con altri paesi europei Memory 2000 memoriali del XX° secolo e The art-of memory. Nel 2009 fonda con Laura Pellicciari, Maurizio Pasetti e Mara Favero, Kineofilm.s.r.l. Collabora all’ideazione e alla messa in opera della “Postazione per la Memoria” e della “Tecnica dell’ascolto Condiviso“, due avamposti per la rigenerazione del linguaggio audiovisivo. Impegnato nella creazione e attuazione delle officine pratiche VAM, Video Alfabetizzazione Multisensoriale (Patrocinio Commissione Nazionale Italiana per l’U.N.E.S.C.O 2012)  e alla definizione del collettivo Terzocinema, innesta il suo lavoro laboratoriale come supporto per l’apprendimento della lingua L2 per richiedenti asilo e per la valorizzazione di ogni forma di “disabilità sensoriale” considerata non più come una minorazione ma come un’opportunità per l’esplorazione di risorse percettive alternative alla norma. In ambito attoriale, attualizza assieme al socio Maurizio Pasetti, il criterio performativo della Plasmazione in totale controtendenza rispetto al mainstream della recitazione cine-televisiva.